Điện Ảnh

Bộ phim khởi đầu nhẹ nhàng bằng những phân đoạn tình cảm, và khi “đêm giải đố” bắt đầu, mọi chuyện trở thành “tả pí lù”.
Bước chân vào rạp với tâm thế hoàn toàn không biết bộ phim mình coi sẽ có nội dung gì, những tưởng phim sẽ tiếp tục xoay quanh một câu chuyện tình hài hước, trớ trêu nào đó vì gương mặt của Rachel McAdams “to tướng” trên poster. Nhưng đúng là tôi đã lầm.
Phim xoay quanh những rắc rối khi một thành viên trong nhóm và cũng là em trai của nhân vật chính trong phim - Brooks, nảy ra ý tưởng về một trò chơi đóng vai, giải đố có chủ đề về vụ bắt cóc bí ẩn. Người giải đáp được các câu hỏi và thắng cuộc sẽ giành được phần thưởng là chiếc xe hơi sang trọng. Thế nhưng, Brooks bỗng dưng trở thành nạn nhân của một vụ bắt cóc thật, trong khi mọi người vẫn nghĩ đây là trò chơi. Các tình tiết thật giả bắt đầu “lộn tùng phèo” đưa người xem đi từ bất ngờ này đến bất ngờ khác.
Bộ phim khởi đầu nhẹ nhàng bằng những phân đoạn tình cảm, và khi “đêm giải đố” bắt đầu, mọi chuyện trở thành “tả pí lù”. Nhân vật không thể phân biệt được đâu thật, đâu giả, và cả chính khán giả cũng chẳng biết đâu giả đâu là thật. Kế hoạch vốn đã định sẵn trở nên tan tành khi xuất hiện một nhóm người lạ mặt, đánh nhau ầm ĩ với Brooks trong khi các nhân vật xung quanh ngồi cười vì tưởng đây là trò đùa. Cuộc chơi khi đó chính thức bắt đầu. Bộ phim tăng tốc khi các phân đoạn hài hước và rượt đuổi, hành động liên tục được bày ra trước mắt khán giả.
Các tình tiết hài không hề gượng ép mà rất tự nhiên và gẫn gũi, liên quan nhiều đến các chất liệu đời sống, có chút gì đó hơi mỉa mai, không làm người xem cảm thấy khó chịu. Tình tiết đã buồn cười, gương mặt, diễn xuất và thoại của các diễn viên càng khiến người xem muốn “lộn ruột”. Kể cả khi các nhân vật đang trong hoàn cảnh nguy hiểm và “tang thương” nhất, phim vẫn khiến người xem không thể ngậm được mồm. Cốt truyện tuy cũ mà mới, đã khiến đạo diễn có thể thoải mái biến tấu các tình huống để tạo ra sự hài hước. Thoại phim cũng rất vui nhộn, tuy một vài chỗ hơi nhanh và hài kiểu Mỹ nên khán giả Việt có thể thấy khó hiểu.
Một trong những điểm thành công lớn của Game Night chính là dàn diễn viên duyên dáng. Không kể đến cặp vợ chồng “lầy bựa” Annie và Max, các nhân vật khác cũng đặc biệt có điểm nhấn chứ không hề lép vế trước hai nhân vật chính. Mỗi người đều có tính cách riêng rất rõ ràng, và cách họ phản ứng trong một số tình huống chính là điểm gây cười.
Nhân vật cảnh sát có gương mặt lạnh như tiền nhiều phen dọa các các nhân vật khác chết khiếp Gary (do Jesse Plemons thủ vai) cũng là điểm sáng của phim. Đây là nhân vật khiến người ta vừa thấy yêu, vừa thấy hơi ghét, lúc lại thấy hơi tội, và đơn giản là bạn chẳng thể biết anh ta sẽ làm những gì.
Điểm trừ dành cho phim đấy là tính bất hợp lý trong một số phân đoạn, chẳng hạn như bữa tiệc của một ông trùm được tổ chức và có các hoạt động trái phép. Có điều ngoài cổng lại chẳng có ai bảo vệ hoặc canh gác, để các nhân vật vô tư đi vào “như một vị thần”. Hoặc các chi tiết gần cuối phim, để tránh spoil thì chỉ xin nói đơn giản là khi tất cả mọi chuyện hạ màn, khi bạn lắp ghép các điểm lại với nhau, nó hoàn toàn không hợp lý và có chút khó hiểu.
Nhưng đối với một bộ phim thế này thì việc hiểu “sơ sơ” cũng ổn cả rồi, bạn chẳng cần phải cố gắng đào sâu vào một vài chi tiết đó để làm gì. Vui là chính, nên cứ việc bỏ qua và cười “tẹt ga” với những gì bộ phim mang lại. 
Điểm khiến tôi khá thích ở bộ phim nữa, đấy là khi ta tưởng rằng phim không có thông điệp gì quá quan trọng, chọc cười khán giả là được, chính là lúc Game Night thể hiện một chi tiết sâu sắc mà tôi nghĩ ai trong chúng ta cũng cần biết: Đừng đứng núi này trông núi nọ, rồi ganh đua và tị nạnh nhau làm gì, hãy trân trọng những gì ta có và cố gắng hết mình là được.
Game Night đặc biệt thích hợp để đi xem cùng một nhóm bạn. Không khí càng đông càng vui sẽ rất thích hợp để thưởng thức phim. Một bộ phim đáng “đồng tiền bát gạo”, đổi lại bạn sẽ có những phút giây cực kỳ thoải mái.

"Black Mass" (2015) là một bộ phim tội phạm dựa trên câu chuyện có thật về James "Whitey" Bulger, một tên tội phạm nổi tiếng ở Boston. Phim xoay quanh mối quan hệ giữa Bulger và FBI, đặc biệt là với đặc vụ John Connolly, người từng là bạn thời thơ ấu của Bulger.
Nội dung chính của phim diễn ra vào những năm 1970 và 1980, khi Bulger hợp tác với FBI để tiêu diệt một băng nhóm đối thủ. Trong khi Bulger mở rộng quyền lực và kiểm soát thế giới tội phạm, mối quan hệ của anh với Connolly trở nên phức tạp, dẫn đến nhiều tình huống căng thẳng và bạo lực. Phim thể hiện những mảng tối của quyền lực, sự phản bội, và sự thao túng trong cả giới tội phạm lẫn cơ quan thực thi pháp luật.
Diễn xuất của Johnny Depp trong vai Bulger và Joel Edgerton trong vai Connolly được đánh giá cao, mang lại sự kịch tính và sâu sắc cho câu chuyện. Bộ phim không chỉ khắc họa cuộc đời của Bulger mà còn đặt ra những câu hỏi về đạo đức và sự tha hóa trong xã hội.

Prime Cut (1972) là một bộ phim hành động và tội phạm do Michael Ritchie đạo diễn, với sự tham gia của Lee Marvin, Gene Hackman và Sissy Spacek. Câu chuyện diễn ra ở miền Tây nước Mỹ và xoay quanh một tên gangster tên là Nick Devine (Gene Hackman), người đang điều hành một trang trại nuôi bò và buôn bán thịt.
Khi một lô thịt bị mất, một người thợ mổ là Charlie (Lee Marvin) được cử đến để thu hồi món nợ từ Nick. Charlie phát hiện ra rằng Nick không chỉ điều hành một doanh nghiệp hợp pháp mà còn dính líu đến những hoạt động phi pháp, bao gồm buôn người và làm nhục phụ nữ.
Trong hành trình này, Charlie gặp một cô gái trẻ tên là Mary Ann (Sissy Spacek), người đang bị Nick kiểm soát và sử dụng trong các hoạt động bất hợp pháp. Phim không chỉ tập trung vào những cuộc chiến tay đôi giữa các nhân vật mà còn phản ánh về sự tham nhũng và bạo lực trong xã hội.
Phim nổi bật với những cảnh hành động gay cấn và cách thể hiện mạnh mẽ về các mối quan hệ giữa các nhân vật, tạo ra một bức tranh tăm tối về thế giới tội phạm.

Last Year at Marienbad (1961) là một bộ phim nghệ thuật do Alain Resnais đạo diễn, nổi bật với phong cách kể chuyện phi tuyến tính và hình ảnh ấn tượng. Nội dung phim xoay quanh một cuộc gặp gỡ tại một khách sạn sang trọng, nơi một người đàn ông (do Giorgio Albertazzi thủ vai) cố gắng thuyết phục một người phụ nữ (do Delphine Seyrig thủ vai) rằng họ đã gặp nhau năm trước tại Marienbad và có một mối quan hệ tình cảm.
Phim đi sâu vào những chủ đề như trí nhớ, thực tại và ảo tưởng, với cấu trúc không theo trình tự thời gian, tạo ra một bầu không khí bí ẩn và khó hiểu. Những cuộc đối thoại giữa các nhân vật thường đầy tính ngụ ý và gợi mở, khiến khán giả phải tự suy ngẫm về ý nghĩa và sự thật của câu chuyện.
Với hình ảnh đẹp và âm nhạc ám ảnh, "Last Year at Marienbad" đã trở thành một tác phẩm kinh điển trong điện ảnh, khơi gợi nhiều cuộc tranh luận và phân tích về cách mà chúng ta nhớ và cảm nhận thời gian.

Jean-Luc Godard. Jean-Luc Godard. Jean-Luc Godard. Huyền thoại điện ảnh Pháp, cũng là huyền thoại điện ảnh thế giới. Không một ngôn từ nào, không một bài xã luận đơn thuần nào có thể nói hết được nghệ thuật điện ảnh của Godard, dù nhiều người đã cố, và cũng có nhiều người thất bại. Godard vẫn làm cái việc mà ông làm giỏi nhất: làm ra một bộ phim mà để người ta hoảng hốt khi nó ra đời, nhưng hăng say tận hưởng nó, và vẫn cứ tiếp tục bàn tán về nó cho đến mãi sau.
Alphaville là một sản phẩm đậm chất Godard, với một cách làm phim dị biệt mà theo ông mô tả là "lao vào rạp chiếu bóng như những người tối cổ lần đầu bước vào Cung điện Versaille của Louis XV" (nguyên văn: "We barged into the cinema like cavemen into the Versailles of Louis XV" [1]), cùng thời với những François Truffaut hay Agnès Varda giữa Làn sóng mới (tiếng Pháp: La Nouvelle Vague). Cách Godard tiếp cận đề tài và nhào nặn kịch bản theo đúng hình hài mà ông tìm kiếm là điều thú vị bậc nhất khi xem phim của ông, mà điều này chúng ta sẽ được thấy rất rõ trong Alphaville.
Alphaville được công chiếu lần đầu tại Pháp vào năm 1965. Kịch bản do chính Godard chắp bút, nhưng mang nhiều màu sắc ứng biến. Trong phim, nam diễn viên người Mỹ Eddie Constantine thủ vai chính Lemmy Caution, và Anna Karina - nàng thơ của Làn sóng mới Pháp, trong vai Natacha von Braun. Phim đã giành giải Golden Bear tại Liên hoan phim Quốc tế Berlin lần thứ 15.
Phim lấy bối cảnh vị thám tử Lemmy Caution trong một lần thực hiện nhiệm vụ tại Alphaville - một thành phố vị lai với chính quyền, dân cư và cách thành phố vận hành khác xa với thành phố New York truyền thống. Nhiệm vụ của Caution trong phi vụ lần này là tìm hiểu về sự mất tích của một nhân vật bí ẩn, cũng như là tìm cách giải phóng thành phố khỏi sự trị vi độc tài này. Trong suốt quá trình phá án thì Caution dẫn người xem đi vào từng ngõ ngách nhỏ của thành phố, gặp những con người, những cái máy vô hồn, từ đó phê phán một xã hội giả định, mà ở đó người dân không có quyền nói lên tiếng nói, nơi mà họ chỉ giống như những cái máy di động, sống và làm việc dưới chỉ thị của cấp trên, nơi mà việc suy nghĩ, trí tò mò bị cho là lạ thường và bị cấm đoán.
Ý tưởng này thực chất hết sức quen thuộc, đối với cả điện ảnh và văn chương. Một chủ đề tương tự đã được George Orwell khai thác trong hai tác phẩm để đời của ông là 1984 và Trại súc vật (Animal Farm), nhưng Alphaville đã đưa được yếu tố công nghệ vào, mô tả cái cách nó điều khiển xã hội loài người mà các phim trước đó chưa làm được. Alphaville cũng là một xã hội rất khác với xã hội nổi loạn trong The Matrix, hay một xã hội thiếu vắng tự do ngôn luận và tự do cá nhân như V for Vendetta - một bộ phim dystopian (tương lai giả tưởng) mà mình đặc biệt yêu thích.
 
Phim là một sản phẩm đậm chất Godard, đậm chất Pháp và cũng vì thế nên nó tương đối khó xem, khó theo dõi. Đối với đối tượng khán giả tìm kiếm một bộ phim giải trí thông thường, thì Alphaville có lẽ không phải là một sự lựa chọn sáng suốt. Suốt phim, bạn sẽ được dẫn đi với đôi mắt mở to và cái đầu không được phép ngừng suy nghĩ, vì nếu không bạn sẽ bỏ lỡ chi tiết. Phim thực hiện đúng tuyên ngôn làm phim kiểu mới, "show, not tell" (chỉ cho thấy, chứ không kể), nên nếu bạn không phải là một fan của dòng phim hàn lâm hay phim noir, và cũng chưa từng có dịp tiếp xúc với dòng phim Làn sóng mới của Pháp, thì Alphaville sẽ không phải là phép thử phù hợp.
Cuối cùng thì làm phim nhằm mục đích gì nếu không thể truyền tải được một thông điệp có tính ảnh hưởng đến người xem? Alphaville là một xã hội mà ở đó người và máy như một, con người được mã hóa, gắn số và bị điều khiển. Dù được viết ra dưới dạng giả định, nhưng điều gì làm chúng ta dám chắc rằng trong tương lai sẽ không lặp lại những điều đã thấy trên màn ảnh? Dù gì, con người vẫn sẽ phấn đấu không ngừng nghỉ cho một xã hội mà ở đó mọi thứ đều hoàn hảo, hiệu quả kinh tế cao, đời sống được công bằng. Câu hỏi ở đây lại là: Để đạt được điều đó, điều chúng ta phải đánh đổi lại là gì? 
[1] Brody, Richard, Everything is Cinema: The Working Life of Jean-Luc Godard, Henry Holy & Co., 2008, pg. 72.

"Le Doulos" (1962) là một bộ phim tội phạm của đạo diễn Jean-Pierre Melville, được xem là một trong những tác phẩm tiêu biểu của thể loại noir Pháp. Phim xoay quanh cuộc sống của một tên tội phạm tên là Maurice Faugel, do Jean-Paul Belmondo thủ vai, người vừa mới ra tù và lên kế hoạch cho một vụ cướp.
Nội dung chính của phim bắt đầu khi Faugel gặp lại một người bạn cũ, Silien, do Serge Reggiani thủ vai. Silien là một kẻ bí ẩn, có mối liên hệ với cả thế giới tội phạm và cảnh sát. Khi Faugel bị dính vào một vụ án giết người, anh phải tìm cách thoát khỏi sự giám sát của cảnh sát và bảo vệ bản thân.
Phim nổi bật với các yếu tố về sự phản bội, lòng trung thành và những mối quan hệ phức tạp giữa các nhân vật. Những cú quay chậm, ánh sáng tối tăm và bầu không khí đầy căng thẳng tạo nên một trải nghiệm mạnh mẽ cho người xem. "Le Doulos" cũng được biết đến với những cú twist bất ngờ, khiến khán giả luôn trong trạng thái hồi hộp.
Với phong cách điện ảnh đặc trưng và diễn xuất ấn tượng, "Le Doulos" đã để lại dấu ấn sâu sắc trong dòng phim noir và là một tác phẩm đáng xem cho những ai yêu thích thể loại này.

Năm 2015, bom tấnMad Max: Fury Road ra mắt và lập tức gây choáng váng giới phê bình. Không chỉ thành công phòng vé, phim còn thắng sáu giải Oscar, đồng thời được đánh giá là một trong những phim hành động hay nhất thập kỷ.
Đặc biệt, nữ chiến binh Furiosa - minh tinh Charlize Theron đóng – để lại ấn tượng mạnh với khán giả, khiến các nhà sản xuất quyết định đổ tiền thực hiện ngoại truyện về nhân vật, mang tên Furiosa: A Mad Max Saga (Tựa Việt: Furiosa: Câu chuyện từ Mad Điên).
Dự án tiếp tục do đạo diễn George Miller cầm trịch, với sự tham gia của hai ngôi sao Anya Taylor-Joy và Chris Hemsworth, hứa hẹn sẽ khuấy động phòng vé toàn cầu mùa hè năm nay.
Quá khứ tàn bạo của Furiosa
Nội dung của Furiosa khá đơn giản, bắt đầu khi Furiosa (Alyla Browne) còn nhỏ, đang sống cùng mẹ ở một vùng đất yên bình, giàu tài nguyên.
Một ngày, cô bé bất ngờ bị một nhóm cướp bắt cóc và giải đến đội quân của Bạo chúa Dementus (Chris Hemsworth). Sau đó, nhiều sự kiện liên tiếp xảy ra khiến cuộc sống của Furiosa đảo lộn hoàn toàn.
Cô không chỉ mất đi tuổi thơ mà còn trở thành nô lệ trong tay kẻ khác, tận mắt chứng kiến sự tàn bạo và điên loạn của những lãnh chúa vùng hoang mạc.
Không có ai bên cạnh giúp đỡ, Furiosa phải tự tìm cách sinh tồn, vượt qua những thử thách khắc nghiệt để từng bước trở thành nữ chiến binh huyền thoại.
Kịch bản phim vẫn do George Miller chấp bút cùng cộng sự quen thuộc là biên kịch Nico Lathouris. Bộ đôi từng bắt tay làm nên thành công của Mad Max: Fury Roadnên hiểu rõ thế giới cũng như từng nhân vật họ tạo ra.
Chuyện phim đơn giản, được kể theo trật tự tuyến tính để người xem dễ dàng cảm nhận được quá trình trưởng thành của Furiosa, từ một cô bé vô tư đến khi rơi vào bước đường cùng, không còn sợ bất cứ điều gì.
Các nhà làm phim cũng khéo léo tạo sự kết nối với Mad Max: Fury Road. Nhiều tình tiết giải thích lý do Furiosa bị cụt tay hay để đầu trọc khi chiến đấu, giúp người xem hiểu rõ hơn về nhân vật.
Hành động mãn nhãn
Tác phẩm giữ nguyên tinh thần của phần trước khi khắc họa rõ nét thế giới hậu tận thế hoang tàn. Trái Đất bị biến thành một sa mạc khô cằn, thiếu nước và tài nguyên. Con người hàng ngày phải chịu đựng những cơn bão cát dữ dội, cùng ánh nắng mặt trời gay gắt.
Đó cũng là nơi diễn ra những cuộc rượt đuổi nghẹt thở, khiến bao kẻ phải mất mạng chỉ trong gang tấc.
Với kinh phí hơn 168 triệu USD, Furiosa được đầu tư mạnh về hành động, kỹ xảo. Thậm chí, nhiều cảnh quay còn hoành tráng và ấn tượng hơn hẳn phần tiền nhiệm.
Trong thời lượng 148 phút, đạo diễn George Miller liên tục chiêu đãi người xem với loạt cảnh hành động dồn dập, nghẹt thở và đầy sáng tạo. Các pha rượt đuổi trên sa mạc, những màn đấu súng và chiến đấu bằng tay được dàn dựng công phu, tạo cảm giác hồi hộp và phấn khích.
Kỹ xảo CGI trong phim được xử lý tốt, giúp tăng sự chân thực cho các pha hành động. Từng hình ảnh được chăm chút, từ tạo hình của nhân vật cho đến bối cảnh đều hiện lên sống động.
Âm nhạc của phim cũng rất đặc sắc, với những giai điệu mạnh mẽ, dồn dập, được cài cắm hợp lý, giúp cho các phân cảnh hành động trở nên hấp dẫn hơn.
Diễn xuất ấn tượng
Ở phần trước, các ngôi sao Charlize Theron và Tom Hardy đều có những màn trình diễn xuất sắc, để lại nhiều ấn tượng với khán giả. Điều đó cũng tạo nên thách thức với các diễn viên tham gia ngoại truyện.
Vượt nhiều đối thủ, Anya Taylor-Joy chứng minh đạo diễn đã không chọn nhầm người. Nữ diễn viên thể hiện khả năng diễn xuất đa dạng, lột tả thành công sự mạnh mẽ, quyết đoán nhưng cũng đầy tổn thương và mất mát của Furiosa.
Cô gần như không gặp khó khăn khi tái hiện thành công một nhân vật mang tính biểu tượng, từ ánh mắt căm phẫn cho đến hành động đầy quyết đoán đều hiện rõ tinh thần Furiosa.
Tài tử Chris Hemsworth cũng là bất ngờ lớn trong phim. Anh hoàn toàn lột xác, phá vỡ hình tượng Thần Sấm Thor quen thuộc để trở thành gã ác nhân hoang dại, lập dị nhưng không kém phần đáng sợ.
Qua hóa thân của hai ngôi sao, các nhân vật hiện lên rõ nét và giàu cảm xúc. Màn đối đầu giữa Dementus và Furiosa thực sự là một trong những điểm nhấn, góp phần tạo nên sự căng thẳng và kịch tính cho phim.
Ra mắt lần đầu tại Cannes 2024, Furiosa: A Mad Max Saga nhận được nhiều lời khen ngợi từ giới phê bình. Phần lớn đánh giá cao kịch bản, tài đạo diễn của George Miller, cũng như diễn xuất của Anya Taylor-Joy và Chris Hemsworth.
Dẫu vậy, phim vẫn còn một vài hạn chế nhất định. Vì tập trung vào các pha hành động, cốt truyện còn đơn giản và dễ đoán. Một số nhân vật phụ chưa được khai thác tốt, như Joe Bất Tử và những tên tùy tùng, khiến họ trở nên mờ nhạt và thiếu sức hút.
Ngoài ra, vì kịch bản ít lời thoại, một vài tình tiết có thể gây khó hiểu cho khán giả, nhất là những ai chưa xem phần trước.
Bỏ qua những hạn chế, Furiosa: A Mad Max Saga vẫn là một bộ phim hành động hấp dẫn, mang đến cho người xem những phút giây giải trí nhưng vẫn giàu cảm xúc.

Phim xoay quanh một cascader (người đóng thế) tên là Colt Seavers, do Ryan Gosling thủ vai. Colt không chỉ là một người đóng thế mà còn là một chuyên gia trong việc xử lý các tình huống nguy hiểm trên phim trường.
Khi một ngôi sao Hollywood nổi tiếng biến mất trong quá trình sản xuất một bộ phim, Colt được giao nhiệm vụ tìm kiếm và cứu anh ta. Trong cuộc hành trình này, anh cùng với một nhóm bạn bè và đồng nghiệp phải đối mặt với nhiều tình huống nguy hiểm, từ các vụ tai nạn trên phim trường đến những mưu đồ phức tạp trong ngành công nghiệp điện ảnh.
Phim không chỉ có những pha hành động kịch tính mà còn mang lại nhiều yếu tố hài hước và sự phê phán nhẹ nhàng về ngành công nghiệp điện ảnh. Qua hành trình tìm kiếm, Colt không chỉ khám phá những bí mật đằng sau Hollywood mà còn phải đối mặt với chính bản thân và sự nghiệp của mình.

Cậu bé Mahito đi đến thế giới do động vật thống trị để mong gặp lại mẹ, trong phim "The Boy and the Heron".
Tác phẩm do Hayao Miyazaki đạo diễn, lấy cảm hứng từ tiểu thuyết How Do You Live? (1937) của nhà văn Genzaburo Yoshino. Nội dung kể về Mahito, 12 tuổi (do Soma Santoki lồng tiếng), mồ côi mẹ sau một vụ cháy ở Tokyo. Cha con Mahito chuyển về vùng nông thôn. Tại đây, cả hai sống cùng Natsuko (Yoshino Kimura), em ruột của mẹ Mahito.
Sau khi về quê, Mahito dần trở nên khép mình, ít nói. Cậu thường xuyên ám ảnh về sự cố khiến người mẹ qua đời, không chấp nhận những thay đổi diễn ra xung quanh. Một ngày nọ, Natsuko bỗng dưng biến mất sau khi đi vào tòa lâu đài bí ẩn. Mahito quyết định lên đường tìm cô, đồng thời giải mã cái chết của mẹ mình. Bạn đồng hành của cậu là một con chim diệc xanh biết nói (Masaki Suda).
Tác phẩm lấy bối cảnh hậu chiến ở Nhật, mở ra hành trình khám phá thế giới nửa hư nửa thực của cậu bé Mahito. Theo Guardian, phim đề cập đến sự mất mát và đau buồn, nhưng mang không khí dịu dàng, nhiều sắc màu. Ban đầu, Mahito gặp nhiều khó khăn khi thích nghi với cuộc sống mới. Cuộc gặp gỡ với con diệc xanh như một lời mời gọi, khiến Mahito bị cuốn vào thế giới kỳ lạ.
Trong khi tìm Natsuko, Mahito gặp lại Kiriko (Ko Shibasaki lồng tiếng), phiên bản thời trẻ của bà lão giúp việc cho gia đình cậu. Kiriko dắt Mahito tới làng chài, nơi có sinh vật kỳ lạ Warawara. Chúng là linh hồn con người chưa được sinh ra. Khi trưởng thành, Warawara bay lên trời để trở thành người. Ngoài ra, sự xuất hiện của Himi (Aimyon) - có khả năng điều khiển lửa - khiến Mahito nhớ về người mẹ đã mất. Những nhân vật này góp phần tạo nên thế giới sinh động, nhiều sắc màu.
Xuyên suốt phim là hành trình trưởng thành của Mahito. Việc mất đi người mẹ để lại cho cậu vết thương lòng khó nguôi ngoai. Khi đến vùng đất mới và gặp ông cố của mình, Mahito đứng trước hai lựa chọn: Ở lại kế thừa di sản để tiếp tục duy trì thế giới hoàn hảo, không khổ đau; hay quay về nơi đã làm tổn thương cậu. Cuối cùng, Mahito từ chối, cho rằng đau khổ là điều cần thiết cho cuộc sống, đồng thời bác bỏ lời nói dối về việc mọi vật đều hoàn hảo.
Trải qua cuộc phiêu lưu cùng những người bạn, Mahito dần chấp nhận sự xung đột trong tâm hồn, đồng thời tìm thấy lẽ sống đúng đắn. Đạo diễn ẩn dụ nỗi đau như sự khởi đầu của cuộc sống, nhắn nhủ thông điệp: Con người cần mạnh mẽ, kiên cường đối diện với cái chết. Sau mọi khổ đau, điều cần làm là hướng đến tương lai, tạo ra giá trị đẹp đẽ cho cuộc sống.
Âm nhạc do nhà soạn nổi tiếng Joe Hisaishi đảm nhận, mang đến giai điệu cổ điển, sâu lắng, thể hiện sự đồng cảm cho nỗi đau của nhân vật chính. Trong những đại cảnh, Joe Hisaishi sử dụng dàn giao hưởng giúp khán giả cảm nhận được sự hùng vỹ của thiên nhiên. Ở những phân cảnh sâu lắng, nghệ sĩ mượn tiếng piano hoặc cello nhằm khơi gợi cảm xúc các nhân vật.
Giống các tác phẩm trước của Hayao Miyazaki, The Boy and the Heron được các họa sĩ vẽ thủ công nhiều khung hình. Theo trang Film Comment, dù các bản vẽ được chuyển đổi sang định dạng kỹ thuật số để chiếu trên màn ảnh rộng, kết cấu hình ảnh lẫn sắc thái và chuyển động của các nhân vật vẫn mang phong cách tự nhiên, đa sắc màu như Princess Mononoke (1997), Spirited Away (2001).
Tác phẩm được giới chuyên môn đánh giá tốt. Trang Guardian viết: "The Boy and the Heron cho thấy 'phép thuật' trong điện ảnh của Miyazaki. Tác phẩm lấy cảm hứng từ trải nghiệm thời thơ ấu của đạo diễn nhằm tri ân quá khứ". Cây bút Joshua Fox của ScreenRant nhận xét: "Tác phẩm cân bằng mọi chi tiết, với nhiều khoảnh khắc hài hước lẫn xúc động. Tất cả tạo nên một câu chuyện gần như hoàn hảo".
Tuy nhiên, phim cũng có một số thiếu sót. Theo ScreenRant, phần lớn dàn nhân vật phụ thiếu sự phát triển tâm lý, làm mạch phim ngắt quãng. Tiết tấu của hồi hai khá nhanh, xử lý kém thuyết phục. Nguyên lý hoạt động của thế giới mới, quá trình Mahito chấp nhận Natsuko và lý do khiến ông cố của Mahito tin vào thế giới bí ẩn không được giải thích rõ.
Theo Hollywood Reporter, tác phẩm có nhiều chi tiết giống với cuộc đời nhà làm phim 82 tuổi. Nhiều nhà phê bình người Nhật cho rằng gia đình Miyazaki thoát khỏi vụ đánh bom ở Tokyo để đến vùng nông thôn Nhật Bản. Cha của Miyazaki - Katsuji - từng có một đời vợ. Katsuji cưới mẹ của Hayao sau khi người vợ đầu qua đời vì bệnh tật.
Katsuji là giám đốc công ty Miyazaki Airplanes, chuyên sản xuất máy bay cho Nhật trong Thế chiến II. Gia đình Miyazaki nhiều lần chuyển nhà do các cuộc không kích của quân Đồng minh. Các tình tiết này xuất hiện qua hình ảnh người cha Shoichi Maki (Takuya Kimura) cưới dì Natsuko, gia đình Mahito dọn về quê sống ở đầu phim.
Trong một số cuộc phỏng vấn, Miyazaki nhiều lần nói về mối quan hệ thân thiết với mẹ. Điều này giúp hình thành tính cách, tư duy làm phim của ông, đồng thời truyền cảm hứng cho nhân vật nữ trong các dự án.
Trước khi phát hành, nhà sản xuất chỉ tung một poster phim, không tiết lộ trailer, diễn viên lồng tiếng lẫn chiến dịch quảng bá. Trong một cuộc phỏng vấn trên truyền hình vào năm 2017, Toshio Suzuki, người đồng sáng lập Studio Ghibli, được coi là "cánh tay phải" của đạo diễn, cho biết Miyazaki dành tặng tác phẩm cho cháu trai, như cách đạo diễn nói: "Ông sẽ sớm đi sang thế giới bên kia nhưng ông sẽ để lại tác phẩm này".
Hôm 11/12, tác phẩm nhận hai đề cử giải Quả Cầu Vàng 2024, gồm Phim hoạt hình xuất sắc và Nhạc phim điện ảnh hay nhất (cho Joe Hisaishi). The Boy and the Heron còn nhận bảy giải thưởng và 21 đề cử điện ảnh, theo thống kê của IMDb.

Đó là một căn phòng trống, nhưng không hẳn là trống. Nó ngập đầy bóng tối. Trong thứ ánh sáng mờ ảo, ta gần như không thể nhìn rõ có bóng một người đàn ông ở trên giường. Gã châm một điếu thuốc, khói cuộn lên trượt qua khe sáng từ cửa sổ. Gã ngồi vậy một lúc lâu, sau đó đứng dậy, chậm rãi, mặc quần áo, đội mũ, chỉnh vành mũ ngay ngắn với một độ chính xác tuyệt đối vô cùng tinh tế. Rồi gã bỏ lại căn phòng, bước ra ngoài.
Giống như một họa sĩ hay một nhạc công, người đạo diễn hoàn toàn có khả năng làm chủ tác phẩm nghệ thuật của mình chỉ bằng vài đường nét chấm phá như thế. Jean-Pierre Melville dễ dàng dẫn dắt ta lạc trong thế giới của Le Samurai trong khung cảnh buồn ảm đạm mà không cần lấy một câu thoại nào. Ông bình thản mang vào trong đó ánh sáng lạnh lẽo như bình minh của một ngày u ám hòa lẫn vào sắc xám và xanh. Thay cho mọi lời nói thừa thãi, chỉ chuỗi hành động ngắn gọn và dứt khoát đã đủ bộc lộ sự cô độc cùng cực của gã đàn ông trong căn phòng.
Gã, tên là Jef Costello. Đó hẳn là một nhân vật đủ tuyệt vời cho Alain Delon – tài tử chuyên dòng phim nghệ thuật Pháp. Delon đã 32 tuổi khi tham gia bộ phim này. Vẻ điển trai rắn rỏi thường mang đến cho Delon nhiều những vai diễn đầy góc cạnh. Không ngoại lệ, Delon trong vai Jef Costello có dáng vẻ như một kẻ bất cần đời, và màn trình diễn đó xuất sắc đến nỗi nó tạo cảm giác cho bất cứ ai trong chúng ta rằng ông đã diễn trong một giấc mơ. Nhà phê bình phim Daivd Thomson gọi Delon là “một thiên thần lầm lạc của những con đường tăm tối”
Costello là một tay sát thủ sống bằng những hợp đồng thuê mướn. Cả bộ phim bám theo sau một phi vụ của Costello, với sự tập trung hoàn hảo vào từng chi tiết trong trải nghiệm của gã - nhân vật trung tâm -  khi cố gắng tìm chứng cứ ngoại phạm để che đậy cho hành tung của mình. Sau khi giết một chủ hộp đêm, gã lách qua những đợt hỏi cung của cảnh sát, nhưng vẫn không tránh khỏi việc bị đưa vào tầm ngắm là nghi can số một. Dính vào một cuộc đấu trí rượt đuổi với cảnh sát, gã còn bị phản bội bởi những kẻ đã thuê mình. Tuy vậy, tất cả những gì ta thấy được ở Costello vẫn là cái dáng vẻ bình tĩnh đến đáng sợ, gã không bao giờ để lộ bất cứ một thứ cảm xúc nào. Như thể, ngay từ lúc bắt đầu gã đã là một kẻ không có cảm xúc thản nhiên chơi đùa với bàn tay ma quái của số phận.
Có hai người phụ nữ đã ngụy tạo chứng cứ ngoại phạm để giúp Costello trốn thoát. Một người là tình nhân của gã – Jane (thủ vai bởi Nathalie Delon – vợ của Delon ngoài đời). Cô đã có chồng – một kẻ giàu có. Và Costello biết điều đó. Người còn lại là Valerie – một ca sĩ da màu thường chơi piano trong hộp đêm. Cô khai rằng cô chưa từng gặp gã, dù sự thật là cô đã nhìn thấy gã bước ra trong khói thuốc súng từ phòng tay chủ hộp đêm vào đêm hôm đó. Tại sao cô che giấu giúp Costello? Câu hỏi này đè nặng lên tâm trí chính Costello khi gã nhận ra mình bị những kẻ thuê mướn phản bội và sau đó quyết định tìm gặp cô. Nhưng Valerie không hề tỏ ra sợ hãi dù Costello hoàn toàn có thể giết cô bất cứ lúc nào. Ở đây ta thấy, những người phụ nữ bên cạnh Costello đã phản chiếu chính hình ảnh của gã: hoàn thành bổn phận của mình với kế hoạch kín kẽ và kỹ năng chuyên nghiệp, gần như vô danh, đắm chìm trong trạng thái tồn tại. Và cuối cùng, gã không để chỗ cho bất cứ thứ cảm tình nào hiện diện trong đời. 
Bộ phim mở đầu bằng một câu trích dẫn: “Không có nỗi cô độc nào lớn hơn nỗi cô độc của một tay sát thủ. Trừ phi đó là nỗi cô độc của một con mãnh thú ở trong rừng.” Trích dẫn được cho là đã vay mượn từ cuốn The Book of Bushido, nhưng mãi sau này người ta mới phát hiện ra đó chỉ là một tác phẩm hư cấu trong trò đùa của đạo diễn. Trích dẫn đó, kết hợp với ngôn ngữ cơ thể của Delon, đã phác họa nên toàn bộ hình ảnh nhân vật Costello – một kẻ chỉ biết tuân theo những nguyên tắc cứng nhắc. Tuy nhiên, Stanley Kauffman trong một bài đánh giá đã chỉ ra bộ phim đánh bẫy ta rằng: Costello đích thị là một cỗ máy, “Khi bọn phản bội biết Costello chưa bị bại lộ, chúng cố nài nỉ Costello thực hiện thêm một hợp đồng giết người mới, nhưng gã đã từ chối trong cơn thịnh nộ từ nội tâm. Gã không đơn thuần là một kẻ mù quáng vì tiền mà bỏ qua việc lòng tự trọng của mình đã bị bán rẻ. Đó là biểu hiện của một tay sát thủ hành động bằng danh dự và đạo đức. Gã có thể máu lạnh, nhưng gã vẫn còn có tính người”.
Danh dự và đạo đức mới là thứ mà Costello tôn thờ. Gã không trung thành với bất cứ ông chủ nào ngoài danh dự và đạo đức. Như một samurai thực thụ. “Một samurai phải ý thức được một điều trong tâm trí, rằng cái chết tự thân sẽ đến, bất cứ lúc nào. Cái chết nghiễm nhiên trở thành bổn phận, và là nghĩa vụ cao cả nhất. Không ngăn cản được.” Hiển nhiên, Costello đã trở thành một samurai. 
Bộ phim thành công trong việc kiểm soát phong cách diễn xuất và hiệu ứng hình ảnh. Đạo diễn Melville đặt viên thanh tra (Francois Peroer) song hành với sự lãnh cảm của Costello, như đặt cạnh nhau hai mảnh ghép đối nghịch, và điều này cho phép ông đào sâu vào sự xung đột mang tính biểu tượng cao. Costello nói ít làm nhiều với mọi cử động sắc cạnh và nhanh gọn, trong khi viên thanh tra thì ngược lại. Để buộc tội Costello, hắn bất chấp mọi thủ đoạn, kể cả việc dành ra hàng giờ để vừa ngon ngọt dụ dỗ vừa khủng bố tinh thần Jane, ép Jane phải phản bội Costello mà nói ra sự thật. Nhưng hắn thất bại. Ở đây, có thể thấy lòng trung thành với danh dự và đạo đức của Costello đã vô hình chung trở thành một mẫu mực để kẻ khác tiếp tục tiếp nối trung thành với gã. Như Jane hay Valerie đã làm.
Một trong những điều thú vị của bộ phim là cốt truyện tự phát triển phức tạp cuốn theo sự chết chóc nằm ngoài dự đoán của người xem, bằng một cách vô cùng bình thản như vốn dĩ nó phải như thế. Hầu như rất ít cảnh đối thoại mà chủ yếu chỉ là những chuỗi hành động liên tiếp, bộ phim khiến ta lầm tưởng rằng nó đơn giản đến mức “chẳng có gì”, nhưng hoàn toàn không phải vậy. Ta đã bị đánh lừa. Một cú lừa rất tuyệt vời, rất ngoạn mục, rất đáng để tán dương. 
Le Samourai dạy cho ta cách hành động để giải phóng căng thẳng, bởi hành động là kẻ thù của tâm lý bất ổn. Càng bất ổn trong tình thế hiểm nghèo, người ta càng phải hành động. Và mọi hành động xuất phát từ đó, hoàn hảo, tự nhiên, không có vẻ gì là được sắp đặt hay cố tình tô vẽ. Người ta có thể xem một bộ phim như thế, trong sự chờ đợi vô cùng xứng đáng cho những nút thắt mở then chốt, còn hơn phải chịu đựng một bộ phim đầy những hành động xảy ra liên tục mà không đại diện cho bất kỳ một ý nghĩa nào.
Jean-Pierre Melville (1917-1973) là một anh hùng của cuộc kháng chiến Pháp. Sau chiến tranh, ông trở về mở hãng phim của riêng mình và bắt đầu sự nghiệp làm phim độc lập. Melville cũng là một trong những người khởi đầu cho Làn Sóng Mới của điện ảnh Pháp. “Tôi không có khả năng hoàn thành bất cứ điều gì cả, ngoài việc suy tưởng về những kịch bản ở trong đầu”, ông bày tỏ. Nhưng trên thực tế, Melville cùng vớI Le Samourai đã làm mới bề mặt thô ráp của điện ảnh và đặt lại định nghĩa về giá trị thật sự của một tác phẩm nghệ thuật.
Ngày nay, với tư cách là thế hệ đi sau nhìn vào thành công của Le Samourai, ta hiểu rằng những điều Melville đã làm được còn nhiều hơn cả thế.

UHF (1989) là một bộ phim hài do "Weird Al" Yankovic viết kịch bản, đạo diễn và đóng chính. Phim xoay quanh George Newman, một người đam mê sáng tạo nhưng không gặp may trong cuộc sống. Sau khi bị sa thải khỏi công việc, George được người chú của mình giao cho một kênh truyền hình địa phương đang gặp khó khăn.
Tại đây, George cùng những nhân viên kỳ quặc của kênh đã tạo ra nhiều chương trình hài hước và độc đáo, giúp thu hút người xem. Những chương trình này bao gồm các nội dung như game show, sitcom và các chương trình không giống ai, khiến kênh truyền hình trở nên nổi tiếng.
Tuy nhiên, sự thành công của họ bị đe dọa bởi một tập đoàn truyền thông lớn, với một giám đốc tham lam muốn mua lại kênh. George và bạn bè của mình phải chiến đấu để bảo vệ kênh và những gì họ đã xây dựng.
Phim mang đến nhiều tình huống hài hước, những màn parodia và các ca khúc vui nhộn, thể hiện phong cách độc đáo của "Weird Al" Yankovic. Thông điệp chính của phim là về sức mạnh của sự sáng tạo, tình bạn và niềm tin vào bản thân.

"Gurren Lagann: The Lights in the Sky are Stars" (2009) là phần phim tóm tắt lại câu chuyện của loạt anime "Tengen Toppa Gurren Lagann." Phim tập trung vào hành trình của Simon và đồng đội trong cuộc chiến chống lại những thế lực áp bức từ dưới lòng đất cho đến vũ trụ.
Câu chuyện bắt đầu với Simon, một thanh niên sống trong một ngôi làng dưới lòng đất. Cùng với Kamina, một người đầy nhiệt huyết, họ tìm thấy một chiếc mech tên là Lagann và bắt đầu cuộc hành trình thoát khỏi thế giới ngầm. Dần dần, họ thu thập được nhiều đồng minh và xây dựng một đội quân mạnh mẽ, chiến đấu chống lại những kẻ thống trị bầu trời là Beastmen.
Phim không chỉ tái hiện các trận chiến hoành tráng mà còn khai thác các chủ đề về tình bạn, sự quyết tâm, và lòng tin vào bản thân. Mỗi nhân vật đều có sự phát triển rõ rệt, từ Simon nhút nhát thành một nhà lãnh đạo kiên cường, cho đến Kamina, người truyền cảm hứng cho cả đội.
Phim kết thúc với một cuộc chiến hoành tráng, nơi Simon và những người bạn của mình không chỉ chiến đấu để bảo vệ thế giới mà còn khẳng định ước mơ và khát vọng tự do của nhân loại.
Với hình ảnh sống động và âm nhạc mạnh mẽ, "The Lights in the Sky are Stars" không chỉ là một bộ phim hành động mà còn là một bản tuyên ngôn về tinh thần chiến đấu và ước mơ chinh phục bầu trời.

La Femme Nikita (1990) là một bộ phim hành động và tâm lý của Pháp do Luc Besson đạo diễn. Phim kể về cuộc đời của Nikita, một phụ nữ trẻ tuổi bị bắt vì tội giết người trong một vụ cướp. Thay vì bị xử án, cô được một tổ chức tình báo bí mật tuyển mộ và đào tạo để trở thành một sát thủ chuyên nghiệp.
Nikita, do Anne Parillaud thủ vai, trải qua quá trình huấn luyện khắc nghiệt và phải học cách sống trong một thế giới ngầm đầy rẫy sự dối trá và bạo lực. Trong khi chiến đấu với những nhiệm vụ nguy hiểm, cô cũng phải đấu tranh với danh tính của mình và những cảm xúc con người. Nikita phát triển một mối quan hệ tình cảm với một người đàn ông tên là Marco, điều này khiến cô phải lựa chọn giữa tình yêu và nhiệm vụ của mình.
Phim nổi bật với các yếu tố hành động kịch tính, các tình tiết căng thẳng và những câu hỏi về bản chất của con người, sự cứu chuộc và mối quan hệ giữa cá nhân và chính quyền. "La Femme Nikita" đã nhận được sự khen ngợi từ cả giới phê bình và khán giả, trở thành một tác phẩm kinh điển trong thể loại phim hành động và ảnh hưởng đến nhiều tác phẩm sau này.

Bộ phim The Zone of Interest (tựa Việt: Vùng quan tâm) của đạo diễn người Anh gốc Do Thái Jonathan Glazer là tác phẩm độc đáo bậc nhất năm qua. Đây cũng có thể xem là một trong những tác phẩm chuyển thể ấn tượng nhất tại mùa giải Oscar 2024.
Phim The Zone of Interest chuyển thể từ quyển tiểu thuyết cùng tên của nhà văn quá cố Martin Amis, xuất bản năm 2014. Câu chuyện xoay quanh gia đình viên chỉ huy quản trại Auschwitz - biểu tượng tội ác Thế chiến thứ hai của Đức Quốc xã - là Rudolf Höss (Christian Friedel đóng) và bà vợ Hedwig (Sandra Hüller) đang cùng con cái họ tận hưởng những ngày viên mãn sát bên trại tập trung.
Tác phẩm thách thức về đạo đức
Phim The Zone of Interest ra đời sau tác phẩm về nạn diệt chủng Do Thái là Son of Saul (2015) và tròn 2 thập niên kể từ Schindler's List (1993). Hai phim trước đây từng đưa lên màn ảnh những chi tiết gây ám ảnh diễn ra bên trong trại Auschwitz, nhưng đến The Zone of Interest, các nhà làm phim di chuyển điểm nhìn sang ngôi nhà tinh tươm sang trọng của vợ chồng viên chỉ huy Rudolf Höss.
Ngôi nhà này nằm cạnh trại tập trung, được phân cách bằng một bức tường, nơi hằng ngày các lò thiêu xác đỏ lửa liên tục và các cuộc tra tấn, hành hình diễn ra xuyên suốt, từ người lớn đến trẻ em. Thế nhưng, gia đình Rudolf Höss vẫn rất hạnh phúc. Họ sinh hoạt, vui chơi, mở tiệc picnic cạnh trại như không có bất kỳ chuyện gì diễn ra, trừ một việc - âm thanh tù nhân la hét, âm thanh các lò thiêu, tiếng xe lửa xình xịch chở người Do Thái vào trại để chết… - tràn vào gia đình này, len lỏi trong từng âm thanh mà các thành viên nhà này phát ra.
Có nhiều chi tiết đắt giá trong phim, đó là cảnh các viên tướng ngồi bàn về cách thức hoạt động của lò thiêu, đồ đạc của tù nhân được đặt trên một xe cút kít chuyển về nhà này và đám đàn bà tranh nhau lấy, hay đứa con của họ nằm rọi đèn pin để xem răng người… Mặc dù phim không có bất kỳ cảnh tra tấn và hành quyết nào trực tiếp, nhưng sự đối lập về bối cảnh, về đạo đức này đã khiến The Zone of Interest trở thành tác phẩm "thách thức" khán giả vì vô cùng chân thực.
Bản chuyển thể xuất sắc
Điều mà Jonathan Glazer hấp thụ và chuyển thể The Zone of Interest của Martin Amis đó là tính chân xác lịch sử và sự kinh dị thoáng ẩn hiện trong suốt các khung hình. Đạo diễn kiêm biên kịch này đã phá vỡ cấu trúc truyện kể, thay tên nhân vật của Martin Amis và chọn điều mình quan tâm để đưa lên phim - cái ác được nhìn nhận theo chiều kích khác, tức không phải ngay nơi cái ác diễn ra mà ở cạnh bên nó, và đó là vì sao mà gia đình viên chỉ huy Rudolf Höss sống cạnh trại đã được chọn để kể.
Jonathan Glazer đã kể câu chuyện một cách điềm tĩnh, lạnh nhưng sắc, về một trong những thảm họa diệt chủng tồi tệ nhất của nhân loại. Tác phẩm của Jonathan Glazer, như giới phê bình phương Tây nhận xét, là ngoài nhắc nhớ về một giai đoạn lịch sử tồi tệ, về một nơi đạo đức bị bỏ quên, tác phẩm chuyển thể này còn nhắc nhở rằng cái ác vẫn luôn diễn ra, điều quan trọng là ta nhìn nhận, đối mặt với nó như thế nào.

The Valiant Ones (1974) là phim hành động và võ thuật của Hồng Kông, do đạo diễn Trần Tinh Huy (Chang Cheh) thực hiện. Phim lấy bối cảnh vào thời kỳ nhà Minh ở Trung Quốc và xoay quanh những cuộc chiến đấu của những chiến binh dũng cảm chống lại quân xâm lược Nhật Bản.
Câu chuyện tập trung vào nhóm chiến binh, do nhân vật chính là một người anh hùng trẻ tuổi dẫn dắt. Họ phải đối mặt với những kẻ thù mạnh mẽ và tham nhũng, đồng thời đấu tranh cho sự tự do và công lý. Những trận chiến mãn nhãn, kỹ xảo võ thuật điêu luyện và các tình tiết cảm động làm nổi bật tinh thần dũng cảm và lòng trung thành của các nhân vật.
Phim không chỉ đơn thuần là một tác phẩm giải trí mà còn mang lại những bài học về tình bạn, lòng yêu nước và sự hy sinh. "The Valiant Ones" được đánh giá cao về nội dung và hình ảnh, trở thành một trong những bộ phim đáng nhớ trong thể loại phim võ thuật của thập niên 70.

The SpongeBob SquarePants Movie (2004) là bộ phim hoạt hình dựa trên series nổi tiếng "SpongeBob SquarePants". Phim theo chân SpongeBob và những người bạn của anh trong một cuộc phiêu lưu đầy hài hước và cảm động.
Câu chuyện bắt đầu khi vua Neptune của thành phố Bikini Bottom bị mất vương miện và nghi ngờ rằng người quản lý quán ăn Krabby Patty, ông Krabs, có liên quan đến vụ mất trộm. SpongeBob, với ước mơ trở thành một người quản lý quán ăn, quyết định chứng minh giá trị của mình bằng cách tìm lại vương miện cho vua Neptune. Anh được hỗ trợ bởi Patrick, người bạn thân mến nhưng ngốc nghếch của mình.
Trong hành trình, họ phải vượt qua nhiều thử thách và khám phá những khu vực chưa từng thấy của biển cả. Họ gặp gỡ các nhân vật kỳ quặc, đối mặt với những tình huống hài hước và không thể tưởng tượng nổi.
Bộ phim mang lại thông điệp về sự trưởng thành, tình bạn và lòng dũng cảm. Với phong cách hoạt hình đặc trưng, những bài hát vui nhộn và những khoảnh khắc cảm động, "The SpongeBob SquarePants Movie" đã trở thành một tác phẩm yêu thích của cả trẻ em và người lớn.

Năm 2015 đánh dấu sự nở rộ của các bộ phim có đề tài điệp viên. Từ đầu năm đến nay, khán giả yêu điện ảnh được thức nhiều tác phẩm nổi bật như Kingsman: The Secret Service, Spy hay Mission: Impossible – Rogue Nation. Những bộ phim này cho thấy một xu hướng mới trong cách thực hiện các phim về điệp viên - kết hợp giữa phần hành động và các yếu tố hài hước, vui nhộn. The Man from U.N.C.L.E. của đạo diễn người Anh Guy Ritchie là bộ phim mới nhất đi theo xu hướng này.
Những người yêu điện ảnh không còn xa lạ với Guy Ritchie. Đạo diễn 46 tuổi hiện là một trong những nhà làm phim xuất sắc của Anh. So với những đồng nghiệp khác ở xứ sở sương mù, Ritchie có phong cách làm phim khác hẳn. Những bộ phim của ông như Lock, Stock and Two Smoking Barrels, Snatch, RocknRolla hay hai tập phim Sherlock Holmes luôn mang phong cách phớt tỉnh, quý tộc kiểu Anh, có phần hơi “sang chảnh”. Đi kèm đó là sự hóm hỉnh, hài hước, châm biếm, hơi “tưng tửng” trong các tình huống, câu thoại và cách khắc họa nhân vật. Phong cách này tiếp tục được Ritchie đưa vào The Man from U.N.C.L.E. và được ông trau chuốt hơn.
Được chuyển thể từ phim truyền hình ăn khách ở thập niên 1960, The Man from U.N.C.L.E. là câu chuyện về sự hợp tác bất đắc dĩ giữa Chính phủ Mỹ và Liên Xô (cũ) để ngăn chặn một âm mưu khủng bố bằng loại vũ khí nguyên tử đặc biệt trong những ngày tháng căng thẳng nhất của Chiến tranh Lạnh. Đại diện cho hai cường quốc là Napoleon Solo tới từ CIA và Illya Kuryakin tới từ KGB. Gạt bỏ thù hằn sang một bên, họ buộc phải bắt tay thực hiện sứ mệnh quan trọng này.
Manh mối duy nhất mà hai điệp viên có được là cô con gái của nhà khoa học người Đức vừa biến mất một cách bí ẩn. Đó cũng là chìa khóa giúp họ xâm nhập vào tổ chức tội phạm. Bộ đôi sẽ phải chạy đua với thời gian để tìm ra nhà khoa học và ngăn chặn âm mưu đen tối có nguy cơ ảnh hưởng tới hòa bình nhân loại.
Yếu tố đầu tiên hấp dẫn người xem của The Man from U.N.C.L.E. là một dàn diễn viên trẻ đẹp và tài năng, đặc biệt là hai diễn viên nam chính - Henry Cavill và Armie Hammer. Cả hai đều sở hữu đôi mắt xanh hút hồn, thân hình như tạc tượng và khuôn mặt góc cạnh. Trong phim, Henry Cavill vào vai Napoleon Solo, một điệp viên CIA luôn mang phong cách lịch lãm, quý ông, chỉn chu và quyến rũ ngay cả khi đang đi… ăn trộm.
Ngược lại, vai diễn Illya Kuryakin của Armie Hammer lại có vẻ rắn rỏi, mạnh mẽ, phong trần và thô ráp. Phong thái, diện mạo bên ngoài và tính cách trái ngược cùng khả năng “tung hứng” khéo léo giữa hai tài tử này khiến bộ đôi Solo và Kuryakin cuốn hút và gây cười cho khán giả mỗi khi họ đối đầu hay hành động cùng nhau.
Làm nền cho hai nam diễn viên điển trai trong The Man from U.N.C.L.E. là hai kiều nữ Alicia Vikander và Elizabeth Debicki. Được biết đến từ A Royal Affair, bộ phim từng được đề cử giải Oscar cho “Phim nói tiếng nước ngoài hay nhất” và mới đây là phim giả tưởng Ex Machina, Alicia Vikander đang dần khẳng định tài năng của mình.
Hóa thân thành cô nàng Gaby kiêu kỳ trong The Man from U.N.C.L.E., người đẹp Thụy Điển cho thấy sự đa dạng trong diễn xuất với nhiều tình huống thể hiện tính cách, tâm lý nhân vật khác nhau. Đồng thời cô cũng khiến khán giả xuýt xoa với gu thời trang thanh lịch và vẻ đẹp quý phái. Trong khi đó, mỹ nhân Australia cao 1,9 m - Elizabeth Debicki - lại toát lên sự lạnh lùng, sắc lạnh và mê hoặc của một bà trùm quyền lực.
Hai vai diễn khách mời của tài tử Hugh Grant và cựu danh thủ David Beckham cũng mang lại thú vị. Nhân vật của Grant là người nắm giữ chi tiết đắt giá nhất bộ phim. Trong khi đó, Beckham cũng khiến nhiều người bất ngờ với vai diễn nhỏ chỉ xuất hiện hơn chục giây, nói một câu thoại.
Có bối cảnh vào những năm 1960, The Man from U.N.C.L.E. mang không khí hoài cổ rõ nét. Đạo diễn Guy Ritchie khéo léo để hình ảnh phim có màu đậm, tối, hơi ám vàng làm gợi nhớ lại những bộ phim nhựa thời kỳ đó. The Man from U.N.C.L.E. còn mang chất độc đáo riêng nhờ phục trang và âm nhạc. Các nhân vật đều diện trang phục đậm hơi thở thời trang thập niên 1960 với mũ beret sẫm màu, kính mắt to và gọng dày, váy liền thân hay mũ rộng vành của nữ. Những bài hát trong phim cũng là các nhạc phẩm nổi tiếng đương thời với sự đa dạng về thể loại (Blues, Jazz, Rock) và ngôn ngữ (Anh, Italy, Đức).
The Man from U.N.C.L.E. còn có nội dung cuốn hút với nhiều nút thắt, nút mở. Đạo diễn Guy Ritchie xây dụng bộ phim với đủ lớp lang, đưa đẩy sự kiện, tình huống để tạo nên cao trào. Phần hành động vừa phải nhưng đặc sắc, được cài cắm với các tình huống hài hước, châm biếm tinh tế. Chi tiết đắt giá nhất của The Man from U.N.C.L.E. được Ritchie giấu kín và tung ra vào lúc căng thẳng nhất khiến người xem hoàn toàn bất ngờ.
Phim sẽ thêm phần đặc sắc nếu đạo diễn Guy Ritchie chăm chút hơn cho nhân vật phản diện chính đồng thời tạo thêm chút kịch tính cho màn đánh “trùm cuối”. Nhưng xét về tổng thể, The Man from U.N.C.L.E. là một tác phẩm giải trí ấn tượng làm hài lòng khán giả bởi sự cuốn hút, hài hước của nội dung, phần hành động sáng tạo và cảnh quay đẹp.

Phim kể về anh chàng Joel Goodson, một công tử ăn chơi trác táng vô cùng sành điệu và sĩ diện. Joel sinh ra trong một gia đình giàu có, với ông bố bà mẹ hết lòng vì con cái. Đến tuổi trưởng thành, Joel luôn có ý tưởng chống đối và xáo trộn mọi thứ. Trong một dịp bố mẹ đi xa, Joel quyết định làm bữa tiệc chia tay với trinh tiết của một gã thanh niên. Và bi kịch đã đến với Joel từ chính lần đập phá này.
Sau khi “hết hồn” với cô nàng chuyển giới, Joel lại lao phải một ả yêu nữ. Từng chút đời tư bừa bãi của Joel bắt đầu lộ diện ra ánh sáng với bao rắc rối và sức ép từ mọi người xung quanh, nhưng cũng từ đó Joel đã học được một cách kinh doanh cho lợi nhuận lớn nhưng nhiều rủi ro...
Bộ phim được đánh giá là “thông minh nhất, hài hước nhất, sâu sắc nhất” trong một thời gian dài. Lối đối thoại dí dỏm, những câu từ giàu hình ảnh, những hành động nông nổi của tuổi trẻ, bạn bè với những lời khuyên rất chân thành và cả thái độ nhiệt tình đưa nhau vào đời... đã đem đến những trận cười sảng khoái cho khán giả.
Một trong những cảnh quay được ca ngợi nhiều nhất và trở thành hình mẫu cho những ý tưởng quảng cáo, để các fan tha hồ “chế” lại, là cảnh Joel (do Tom Cruise đóng) trong chiếc áo sơ mi màu hồng phấn, phía dưới gần như không mặc gì, nhảy múa ca hát thể hiện niềm phấn khích khi được tự do, thoát khỏi bàn tay và con mắt của bố mẹ trong vài ngày. 
Nét trẻ trung với khuôn mặt đẹp trai tới hút hồn thiếu nữ của Tom đã làm cảnh quay thêm nhiều nét lãng mạn đẹp đẽ. Tom Cruise là một trong những nam tài tử rất được hâm mộ, những bộ phim bom tấn Tom từng tham gia đã đem đến cho Tom vị trí số một trong danh sách những nam diễn viên được trả lương cao nhất Hollywood trong năm 2012.
Anh chàng Joel Goodson là vai chính đầu tiên trong sự nghiệp điện ảnh của Tom, với vai diễn này Tom đã nhận được rất nhiều lời khen ngợi và chúc mừng từ phía giới phê bình và khán giả.
Ngoài thành công trong diễn xuất của các diễn viên, âm nhạc trong phim cũng là một điểm nhấn rất nổi bật. Có chất Rock and Roll với những cuồng nhiệt sôi, có những bản ballat ngọt ngào mộng mơ thấm đẫm cảm xúc la đà.

"Gurren Lagann the Movie: Childhood's End" (2008) là bộ phim hoạt hình dựa trên loạt anime nổi tiếng "Tengen Toppa Gurren Lagann". Bộ phim tái hiện lại các sự kiện trong anime, nhưng với một số thay đổi và tóm tắt.
Câu chuyện diễn ra trong một thế giới nơi loài người sống dưới lòng đất, bị áp bức bởi các sinh vật gọi là Beastmen. Simon, một chàng trai nhút nhát, cùng với người bạn Kamina, quyết tâm thoát khỏi sự kìm hãm của thế giới dưới lòng đất và tìm kiếm tự do. Họ khám phá bề mặt trái đất và gặp gỡ Yoko, một cô gái dũng cảm và có năng lực chiến đấu.
Khi họ thu thập sức mạnh và đồng minh, nhóm của họ dần lớn mạnh và bắt đầu cuộc chiến chống lại Beastmen, với mục tiêu cuối cùng là lật đổ lãnh đạo của chúng. Họ điều khiển những chiếc robot khổng lồ và tiến tới những cuộc chiến đầy kịch tính, qua đó thể hiện thông điệp về sức mạnh của tình bạn, sự quyết tâm và ước mơ.
Bộ phim không chỉ nổi bật với những pha hành động mãn nhãn mà còn khám phá những chủ đề sâu sắc về lòng kiên trì, sự trưởng thành và những thử thách mà nhân vật phải đối mặt trong hành trình của mình. "Childhood's End" mang lại cho khán giả cảm giác hồi hộp và cảm động qua những câu chuyện đầy ý nghĩa.

"The Lady from Shanghai" (1947) là một bộ phim noir kinh điển do Orson Welles đạo diễn và thủ vai chính, cùng với Rita Hayworth. Câu chuyện xoay quanh một cuộc tình đầy rắc rối và những âm mưu giết người.
Phim kể về Michael O'Hara (Orson Welles), một người đàn ông lãng du, người gặp gỡ và yêu bà Elsa (Rita Hayworth), vợ của một triệu phú có sức ảnh hưởng, Arthur Bannister (Everett Sloane). Khi Michael gia nhập vào một chuyến du thuyền mà Elsa và Arthur đang tổ chức, anh dần bị cuốn vào một mạng lưới của sự phản bội, âm mưu và sự gian dối.
Khi Arthur phát hiện ra mối quan hệ của Michael và Elsa, một kế hoạch giết người bắt đầu hình thành. Michael phải đấu tranh để giữ mạng sống của mình và làm rõ những bí mật đen tối mà mình bị cuốn vào. Phim dẫn dắt khán giả qua những tình tiết căng thẳng, với một cú xoắn bất ngờ ở cuối.
Phim nổi bật với phong cách hình ảnh độc đáo và những cảnh quay đặc sắc, đặc biệt là cảnh "gương" nổi tiếng trong phòng xử án. Phim không chỉ là một tác phẩm giải trí mà còn mang trong mình nhiều yếu tố triết lý và tâm lý, khám phá bản chất của tình yêu, lòng tham và sự phản bội.

"Pat Garrett & Billy the Kid" (1973) là một bộ phim phương Tây do Sam Peckinpah đạo diễn, xoay quanh mối quan hệ phức tạp giữa hai nhân vật lịch sử: Pat Garrett, một tay súng và cảnh sát, và Billy the Kid, một tên cướp nổi tiếng.
Câu chuyện diễn ra vào cuối thế kỷ 19, khi Pat Garrett, do James Coburn thủ vai, được giao nhiệm vụ săn lùng và tiêu diệt Billy the Kid, do Kris Kristofferson đảm nhận. Mối quan hệ giữa họ không chỉ đơn thuần là kẻ thù; họ từng là bạn bè và có những kỷ niệm chung.
Khi Garrett thực hiện nhiệm vụ của mình, ông phải đối mặt với những căng thẳng giữa nghĩa vụ và tình bạn, đồng thời chứng kiến những thay đổi trong xã hội Mỹ thời kỳ đó. Bộ phim khám phá các chủ đề về sự phản bội, sự thay đổi và cái giá của cuộc sống.
Âm nhạc của Bob Dylan, cùng với phong cách làm phim của Peckinpah, tạo nên một không khí vừa lãng mạn vừa bi thảm, khiến "Pat Garrett & Billy the Kid" trở thành một tác phẩm nổi bật trong thể loại phim phương Tây. Phim không chỉ là một câu chuyện về cuộc chiến giữa thiện và ác, mà còn là một sự phản ánh sâu sắc về cuộc sống và cái chết.

"No Way Out" (1987) là một bộ phim hình sự và chính trị do Roger Donaldson đạo diễn, với sự tham gia của Kevin Costner, Gene Hackman và Sean Young. Phim xoay quanh một câu chuyện căng thẳng về sự lừa dối, phản bội và cuộc đấu tranh sinh tồn.
Kevin Costner thủ vai Tom Farrell, một sĩ quan hải quân trẻ tuổi, người đang yêu Linda, do Sean Young thủ vai. Tuy nhiên, Linda lại có mối quan hệ với một nhân vật quyền lực trong chính phủ, là Thượng nghị sĩ David Brice (Gene Hackman). Khi Linda bị giết trong một cuộc tranh cãi, Tom nhanh chóng trở thành nghi phạm chính trong vụ án.
Tom phải sử dụng tất cả các kỹ năng và thông minh của mình để chứng minh sự vô tội và tìm ra kẻ thật sự đứng sau cái chết của Linda. Trong quá trình điều tra, anh phát hiện ra nhiều âm mưu chính trị phức tạp, và mọi thứ trở nên căng thẳng khi Tom nhận ra rằng mình bị kẹt giữa những thế lực mạnh mẽ.
Phim được đánh giá cao với nhiều pha hành động kịch tính và một cú twist bất ngờ ở cuối, tạo nên sự hồi hộp cho khán giả từ đầu đến cuối. "No Way Out" đã trở thành một trong những bộ phim kinh điển trong thể loại này.

"Narrow Margin" (1990) là một bộ phim hình sự và hành động do Peter Hyams đạo diễn. Phim xoay quanh cuộc sống của một công tố viên tên là Karen McCoy, do Anne Archer thủ vai, và một cảnh sát viên tên là Nick Purvis, do Gene Hackman đóng.
Câu chuyện bắt đầu khi Karen đang trên đường đến một phiên tòa để làm chứng chống lại một tên tội phạm nguy hiểm. Để bảo vệ cô, Nick được giao nhiệm vụ đảm bảo an toàn cho Karen trong suốt chuyến đi. Tuy nhiên, mọi chuyện trở nên phức tạp khi họ phải đối mặt với một âm mưu giết người từ những kẻ thù của Karen, dẫn đến một cuộc rượt đuổi căng thẳng trên một chuyến tàu.
Phim không chỉ có những pha hành động kịch tính mà còn khai thác mối quan hệ giữa hai nhân vật chính khi họ cùng nhau đối mặt với hiểm nguy. Sự kết hợp giữa yếu tố hình sự và tâm lý khiến "Narrow Margin" trở thành một tác phẩm hấp dẫn, mang lại nhiều bất ngờ và sự hồi hộp cho khán giả.

House of Gucci, ra rạp Việt Nam ngày 18/2, dựa trên sự kiện có thật về gia tộc sở hữu thương hiệu thời trang xa xỉ Gucci tại Italy. Maurizio - một trong những người thừa kế của công ty - cưới Patrizia Reggiani dù bị gia đình phản đối do chênh lệch địa vị xã hội. Sau 10 năm hôn nhân, mối quan hệ giữa hai người rạn nứt và Maurizio có tình mới. Patrizia thuê một sát thủ ám sát chồng sau khi họ hoàn tất thủ tục ly dị. Năm 1998, bà bị kết án 29 năm tù nhưng được thả sớm vào tháng 10/2016.
Trong phim, Patrizia Reggiani (Lady Gaga đóng) là cô gái trẻ xinh đẹp thuộc tầng lớp trung lưu. Đầu thập niên 1970, cô tình cờ quen chàng công tử Maurizio (Adam Driver) tại một bữa tiệc. Patrizia chủ động quyến rũ anh và thành công. Hai người yêu cuồng nhiệt và nhanh chóng kết hôn. Rodolfo (Jeremy Irons) - cha của Maurizio - phản đối vì cho rằng Patrizia là kẻ "đào mỏ".
Chìm đắm trong tình yêu, Maurizio từ mặt gia đình và đến làm việc trong công ty nhỏ của gia đình vợ. Khi mang thai, Patrizia nảy sinh kế hoạch hàn gắn mối quan hệ với gia đình chồng. Cô cố tình để lộ thông tin với Aldo (Al Pacino) - bác của Maurizio - khiến ông quyết tâm thuyết phục em trai Rodolfo tha thứ cho đôi vợ chồng trẻ.
Một thời gian ngắn sau đó, Rodolfo qua đời vì bệnh tật. Patrizia thành công trong việc ép bố chồng điền lại tên Maurizio cho anh thừa kế 50% cổ phần công ty Gucci. Sau đó, cô lên kế hoạch chiếm đoạt nốt số cổ phần còn lại do người bác Aldo đang nắm giữ, giúp chồng độc chiếm hãng thời trang. Tuy nhiên, Maurizio - người vốn không hứng thú với việc tiếp quản Gucci - mệt mỏi với khát vọng của vợ. Tình cảm giữa hai người dần rạn nứt dẫn đến hàng loạt bi kịch của gia đình sau đó.
Những sóng gió gia tộc thời trang, bắt nguồn từ mưu mô của Patrizia, làm nên sức hấp dẫn của House of Gucci.
Bộ phim mang đậm tính tự sự, với nhiều sự việc và nhân vật xoay quanh bi kịch của gia đình tài phiệt. Đạo diễn Ridley Scott chọn cách kể chuyện chậm, giúp người xem có thể dễ nắm bắt những sự kiện quan trọng xoay quanh bê bối của gia đình Gucci. Êkíp thành công trong việc cung cấp một giả thuyết hợp lý cho quyết định thuê sát thủ giết chồng cũ của Patrizia. Những mưu kế giữa các thành viên trong gia tộc tạo cho khán giả cảm giác như đang được xem một tác phẩm "cung đấu", tranh tài sản lấy bối cảnh giới thượng lưu ở Italy.
Hướng đi này giúp dàn diễn viên đông đảo trong phim có đủ đất diễn để tỏa sáng. Lady Gaga nhận hàng loạt đề cử hạng mục nữ chính tại BAFTA, Quả Cầu Vàng hay SAG. Tài tử Jared Leto cũng được giới chuyên môn khen ngợi khi hóa thân công tử Paolo - con trai Aldo Gucci - bị Patrizia thao túng, lừa đảo. Tuy nhiên, tiết tấu chậm có thể khiến một số khán giả cảm thấy câu chuyện phim dài dòng. Đồng thời, êkíp thêm nhiều tình tiết châm biếm khiến mạch kể không nhất quán, lúc nghiêm túc và lúc quá hài hước.
Kịch bản dựa trên tiểu thuyết The House of Gucci: A Sensational Story of Murder, Madness, Glamour and Greed (2000) của Sara Gay Forden, chứa nhiều tình tiết chưa được xác minh và gây tranh cãi.
Công ty Gucci chỉ trích đạo diễn Ridley Scott bịa đặt, xúc phạm nhiều nhân vật của gia đình. Trong phim, Patrizia được xây dựng theo mô-típ phụ nữ tham vọng và luôn tìm cách để trèo lên địa vị cao hơn trong xã hội. Ham muốn chính đáng của cô dần bị lòng tham và dã tâm che mờ. Việc tìm kiếm thành công một cách bất chấp trở thành nguyên nhân khiến tình yêu cổ tích của Patrizia và Maurizio phai nhạt. Nhân vật chính giống nạn nhân trong xã hội không đánh giá cao phụ nữ và coi việc họ có khát vọng vươn lên như một căn bệnh.
Gucci phản đối hướng kể chuyện này, khẳng định công ty đa dạng và bình đẳng, từng bổ nhiệm nhiều phụ nữ vào các chức vụ cao từ thập niên 1980 - bối cảnh phim. Gia đình cũng cho biết sẽ tiến hành các hoạt động pháp lý cần thiết để bảo vệ danh dự của mình. Tuy nhiên, nhà làm phim người Anh phản hồi: "Bạn phải nhớ rằng một người nhà Gucci bị giết và một người khác ngồi tù vì tội trốn thuế. Vì vậy, họ đừng chỉ trích tôi trục lợi. Khi đã làm những việc đó, câu chuyện của bạn trở thành tài sản công cộng trong lĩnh vực sáng tạo".
House of Gucci nhận đánh giá đa chiều từ khán giả và giới chuyên môn quốc tế. Phim đạt điểm tích cực 62% theo thống kê của Rotten Tomatoes, dựa trên 345 bài viết của các nhà phê bình. Đa phần ý kiến cho rằng tác phẩm nhập nhằng trong việc kể câu chuyện về gia đình Gucci một cách nghiêm túc hoặc châm biếm. Đồng thời, phim được khen ngợi trong các khâu diễn xuất, phục trang và tạo hình nhân vật.
Trong khi đó, số đông khán giả nhận xét kịch bản thú vị nhưng dài dòng. Một số cho rằng việc để dàn sao người Mỹ đóng các nhân vật Italy cũng khiến gia đình Gucci trong phim có chất giọng gây cười, thiếu thực tế.

"Election" (1999) là một bộ phim hài đen do Alexander Payne đạo diễn, dựa trên cuốn tiểu thuyết cùng tên của Tom Perrotta. Phim xoay quanh cuộc bầu cử ở một trường trung học Mỹ, nơi mà sự cạnh tranh trở nên khốc liệt và hài hước giữa hai nhân vật chính: Tracy Flick, một cô học sinh tham vọng và quyết đoán, và ông giáo Matt Brady, người cố gắng ngăn chặn cô giành chiến thắng.
Tracy, với tính cách mạnh mẽ và không ngại làm mọi thứ để đạt được mục tiêu, trở thành ứng cử viên cho chức vụ Chủ tịch Hội học sinh. Ông Brady, với những lo ngại về sự độc tài và tham vọng của Tracy, đã khuyến khích một ứng cử viên khác, Paul, một cậu học sinh nhút nhát. Cuộc bầu cử nhanh chóng trở thành một cuộc chiến không chỉ về vị trí mà còn về đạo đức, tình cảm và sự trưởng thành.
Phim không chỉ mang tính giải trí mà còn đưa ra những phê phán sâu sắc về hệ thống giáo dục, quyền lực và những quyết định mà các thanh thiếu niên phải đối mặt. Sự hài hước đen và những tình huống dở khóc dở cười trong "Election" khiến nó trở thành một tác phẩm nổi bật trong thể loại phim học đường.