Điện Ảnh

Một ngày, ba chị em nhà Koda nhận được tin người bố đã bỏ đi 15 năm vừa qua đời. Trong khi chị cả Sachi vẫn còn oán giận và lấy lý do công việc để không tới thì cô hai Yoshino (Yocchan) và cô ba Chika đã cùng nhau dự đám tang. Tại đây, họ gặp Suzu – cô em gái cùng cha khác mẹ (là con vợ hai??? – ko rõ mình hiểu thế đúng ko) và bà Yoko -vợ ba của bố. Sachi bất ngờ xuất hiện và nhận ra hoàn cảnh khó xử của Suzu khi hiện tại, cô bé đã không còn ai chăm sóc. Cô đề nghị Suzu về ở cùng với ba người tại Kamakura trong căn nhà gỗ cũ do ông bà để lại.
Sachi (Haruka Ayase)  là y tá làm nhiệm vụ chăm sóc cho các bệnh nhân sắp qua đời. Lúc ba mẹ ly hôn rồi cùng rời đi, cô đang học cấp 3 nên đã bị tổn thương rất nhiều. Chăm sóc 2 đứa em còn nhỏ, cô trở nên chững chạc, nghiêm khắc hơn, đôi lúc giống người mẹ trong gia đình. Có lẽ cũng xuất phát từ bản năng muốn che chở chăm sóc người khác này mà cô đã không ngần ngại “mang” Suzu về. Trong phim, cô là người có nhiều tuyến tương tác nhất: nỗi giận với cha mẹ, mối quan hệ với người đàn ông đã có vợ, cố gắng để thấu hiểu tâm tư tình cảm của những đứa em.
Yocchan (Masami Nagasawa) là nhân viên ngân hàng, thích uống rượu và thường xuyên bị trai lừa rồi… đá. Tính tình phóng khoáng, vui vẻ nên trong cuộc sống thường ngày hay xảy ra tranh luận với Sachi. Sau khi chuyển việc và tiếp xúc với đồng nghiệp mới, cô nhận ra còn có những điều ý nghĩa khác trong cuộc sống và mình có thể làm nhiều thứ để giúp đỡ người khác.
Chika (Kaho) là nhân viên của cửa hàng thể thao, thích câu cá (nhưng mình toàn thấy cầm cần câu ngồi trong nhà). Nhân vật này ko biết trong manga thế nào chứ trong phim cá tính ko đậm nét lắm. Chỉ có khúc nấu ăn cho Suzu và an ủi ông anh thích leo núi cho thấy cô rất tinh tế và quan tâm đến người khác.
Suzu (Suzu Hirose) đang là học sinh trung học, yêu thích bóng đá. Do mẹ cô (được cho) là nguyên nhân của cuộc ly hôn nên cô luôn cảm thấy có lỗi và e ngại. Trái ngược với các chị, Suzu rất yêu thương bố và có nhiều kỷ niệm với bố. Lúc đầu, cô chỉ có thể tâm sự cùng cậu bạn nhưng dần dần, khi gần gũi hơn với các thành viên trong gia đình, Suzu đã có thể thoải mái để nói về bố.
Sau cuối, cả bốn chị em cùng đi bên nhau, trải qua những tháng ngày bên trong căn nhà gỗ, cùng với sân vườn có cây mận (hay mơ nhỉ?), có sân và có hoa… với tình cảm chân thành, yêu thương, với những oán giận và lỗi lầm đã bỏ lại phía sau.

"The House with Laughing Windows" (tựa gốc: "La casa dalle finestre che ridono") là một bộ phim kinh dị tâm lý của Ý do Pupi Avati đạo diễn, ra mắt năm 1976.
Câu chuyện xoay quanh một nghệ sĩ trẻ tên là Stefano, được giao nhiệm vụ phục hồi một bức tranh của một họa sĩ nổi tiếng đã qua đời, sống trong một ngôi làng hẻo lánh. Khi Stefano đến nơi, anh phát hiện ra những bí mật đen tối liên quan đến bức tranh và cuộc sống của họa sĩ.
Dần dần, Stefano cảm nhận được bầu không khí u ám của ngôi làng, nơi những người dân đều tỏ ra kỳ lạ và bí ẩn. Khi điều tra về cái chết của họa sĩ, anh phát hiện ra những câu chuyện kỳ lạ và những nỗi sợ hãi mà dân làng cố gắng che giấu.
Phim nổi bật với những yếu tố tâm lý sâu sắc, sự căng thẳng dồn dập và hình ảnh u ám, tạo nên một không gian bí ẩn và ám ảnh. "The House with Laughing Windows" đã nhận được nhiều lời khen ngợi từ giới phê bình và trở thành một tác phẩm kinh điển trong thể loại kinh dị Ý.

Những mảnh ghép cảm xúc là bộ phim hoạt hình 3D được sản xuất bởi hãng phim Pixar và phát hành bởi Walt Disney Pictures. Bộ phim được xây dựng trên ý tưởng ban đầu của Pete Docter - một đạo diễn, họa sĩ hoạt hình, biên kịch, nhà sản xuất và diễn viên lồng tiếng người Mỹ, đạo diễn của bộ phim cùng đạo diễn Ronnie del Carmen và nhà sản xuất Jonas Rivera. Bộ phim là những tình huống xoay quanh cuộc sống của cô bé Riley Anderson – 11 tuổi và những hoạt động trong bộ não của cô bé – một thế giới tưởng tượng, một thế giới rất hoạt hình. Bộ phim đã đoạt giải Oscar danh giá cho hạng mục phim hoạt hình hay nhất năm 2015. Điều gì đặc biệt ở Inside out khiến nó được yêu thích và đánh giá cao như vậy? Cá nhân tôi cho rằng, bộ phim là một tác phẩm rất thành công, cả về hình thức lẫn nội dung. Inside out không những là bộ phim hoạt hình dành cho trẻ em mà cả người lớn vẫn có thể rút ra được thông điệp sâu sắc ẩn chứa trong nó.
Nhân Vật Trong Phim
Bộ phim được xây dựng theo motip 2 câu chuyện diễn ra song song, một ngoài đời thực – Riley và những sự kiện diễn ra từ nhỏ đến khi cô bé 11 tuổi và một ở trong bộ não của cô. Trung tâm bộ não được điều khiển bởi 5 nhân vật đại diện cho 5 cảm xúc cốt lõi của con người bao gồm: Vui Vẻ (Joy), Buồn Bã (Sadness), Sợ hãi (Fear), Tức Giận (Anger) và Chán Ghét (Disgust). Joy đúng như cái tên của cô, cùng với màu vàng năng động, như mặt trời nhỏ tỏa năng lượng cho các đồng nghiệp của mình, chăm chỉ và rất tích cực. Ngược lại, Sadness mang màu xanh da trời (trong tiếng Anh, màu xanh da trời là Blue, nó còn mang nghĩa là nỗi buồn) ảm đạm, cùng cặp kính cận to đùng và thần thái lúc nào cũng ủ rũ. Cô làm cho khán giả không khỏi thắc mắc liệu cô có làm được gì cho chủ nhân không khi lúc nào cũng tỏ ra mình không có chút sinh khí. Anger đúng với cái tên khi mang màu đỏ thể hiện tính khí nóng nảy, bộc trực, càu nhàu, manh động của mình. Fear có trách nhiệm đảm bảo cho Riley được an toàn, anh ta tất nhiên luôn luôn sợ hãi, luôn luôn lo lắng, thất thường, phi lí trí và nghĩ đến thảm họa đầu tiên, màu tím là màu của anh ta. Và cuối cùng là Disgust xanh lá, bảo thủ, luôn dò xét người khác. Mặt khác, yếu tố kĩ thuật đồ họa ở trong phim rất thông minh và ấn tượng. Joy luôn luôn tích cực, năng động nên cô có một khuôn mặt thật tròn và đôi mắt to lanh lợi. Sadness buồn tới mức chả muốn làm gì nên béo ú. Anger nóng nảy lùn tịt. Fear luôn sợ hãi nên ốm nhách và Disgust nhỏ thó với ánh mắt lườm nguýt không thôi. Để giàn dựng bộ phim thật thành công, biên kịch đã phải nhờ đến các chuyên gia về tâm lý giúp đỡ, đó là bước đi thiết thực và chính xác. Bộ 5 cảm xúc đã sống, tồn tại cùng Riley, giúp Riley hình thành tính cách của mình. Bên cạnh đó, nhân vật Riley là cô bé tuổi đang lớn, vui vẻ, hoạt bát, thích khúc côn cầu, nhạy cảm đúng với lứa tuổi 11. Bố mẹ cô là những người chăm chỉ, bận rộn thế nhưng họ vẫn cố gắng dành thời gian để chăm sóc, bảo bọc cô. Đó là một gia đình rất hạnh phúc ở Minnesota cho đến khi gia đình Riley phải chuyển đến San Francisco.
 Ngoài ra còn có các nhân vật phụ khác như bạn thân của Riley, người bạn tưởng tượng Bing Bong... Họ đều mang trong mình màu sắc riêng, góp phần giúp bộ phim hoàn hảo và ý nghĩa. Trong tuyến nhân vật trên, có lẽ với tôi hay với đại đa số mọi người thì Joy chính là nhân vật được yêu thích nhất. Joy và Sadness được xây dựng là một trong những nhân vật cốt lõi của bộ phim, bên cạnh cô bé Riley. Joy như là lãnh đạo của bộ 5 cảm xúc, hay nói chính xác hơn theo thông điệp bộ phim mà tôi hiểu, thì Joy chính là cảm xúc chính của cô bé Riley – một cô bé hạnh phúc, năng động và yêu đời.
Bước Ngoặt Đầu Đời Của Riley
Sống hạnh phúc cùng bố mẹ và bạn thân ở Minnesota, đột nhiên phải chuyển nhà tới thành phố xa lạ, Riley được bố mẹ an ủi và vẽ ra những cảnh tượng tươi đẹp trước mắt khi chuyển tới nơi ở mới. Riley hi vọng bao nhiêu thì thất vọng bấy nhiêu. Dường như căn nhà mà họ chuyển tới còn thua căn nhà ở Minnesota. Thành phố mới, nhà mới (là một căn nhà cũ ở phố), chưa có bạn bè... mọi thứ đều lạ lẫm với cô bé tuổi đang lớn như Riley. Lúc này đây em cần được nhận lời an ủi, động viên từ bố mẹ rất nhiều. Đây là tâm lý hiển nhiên của một con người, khi mà ta đã quá thân thuộc với một nơi nào đó, nó như máu mủ của mình. Khi chúng ta phải rời đi, ta đau buồn và mất mát, điều đó không thể nào tránh khỏi. Hơn nữa, tới một môi trường không có chút quen thuộc, ta lo lắng là đúng, huống chi là một đứa bé 11 tuổi, hiển nhiên em sẽ thấy sợ hãi.
Diễn biến ở trong não của Riley cũng căng thẳng không kém khi Joy ngày càng bất lực và khó chịu với nỗi tuyệt vọng và tiêu cực thường trực của Sadness. Joy không tìm được giá trị nào của Sadness có thể mang đến cho chủ nhân. Sợ Sadness sẽ làm ảnh hưởng đến chủ nhân vào ngày quan trọng của cô – ngày Riley đến trường mới, bắt đầu cuộc sống mới, ra mắt bạn bè, thầy cô mới, Joy đã vẽ một vòng tròn trong thư viện của bộ não để Sadness ngồi trong đó, như thế mọi kí ức, bất cứ khía cạnh nào của bộ não mới được an toàn khỏi màu xanh dương buồn bã. Chu đáo là thế, Joy vẫn không thể giúp chủ nhân vượt qua thử thách này, còn cùng Sadness bị đẩy ra khỏi trung tâm não bộ từ một vòi hút kí ức. Fear, Anger và Disgust bất đắc dĩ phải thay Joy điều hành cảm xúc của Riley, và các bạn có thể tưởng tượng điều gì sẽ xảy ra rồi đúng không? Joy có hơi thái quá trong việc bảo vệ chủ nhân không? Vì việc bảo vệ thái quá đó mà Sadness bị tổn thương không? Lúc này đây mọi người đều có thể hiểu cho hành động của Joy, vì Sadness quá đỗi bi quan, Joy không thể để một cô bé 11 tuổi bị sự bi quan lấn lướt mọi cảm xúc, nó đặc biệt ảnh hưởng đến các đảo tính cách khó khăn lắm mọi người mới gây dựng được cho Riley. Xem bộ phim tới đoạn này, tôi thích và ngưỡng mộ Joy bao nhiêu thì chán ghét Sadness bấy nhiêu, khuôn mặt ủ rủ và dáng người ù lì của Sadness thật khó ưa và một chút nào đó làm tôi cảm thấy bất lực.
Mâu Thuẫn Gay Gắt
Thất bại trong buổi ra mắt lớp mới, bị bạn bè trêu chọc, bạn thân ở Minnesota có bạn mới, chơi khúc côn cầu không còn giỏi nữa... áp lực ngày càng lớn dần, lớn dần trong tâm trí của Riley, khiến em ngày càng khó chịu. Lúc bấy giờ em thật sự cần có một vòng tay yêu thương, chở che, an ủi từ gia đình. Vậy mà bố mẹ bận trăm công nghìn việc, không để ý tới sự ức chế trong lòng em. Không ai khác, mẹ em là người nhận biết đầu tiên về sự thay đổi trong tính cách của con. Không còn nụ cười vui vẻ thường trực trên môi nữa mà thường xuyên xuất hiện cái nhíu mày, thái độ vùng vằng không nghe lời. Thật không may mắn, người cha lại không hề để ý, thậm chí còn làm cho mọi chuyện trở nên tồi tệ hơn. Nhớ lại khoảnh khắc đứng trên lớp học để giới thiệu bản thân, Riley chỉ luôn nhớ đến quê nhà, nhớ người bạn thân, thậm chí không thể nhớ đến bất cứ kí ức vui vẻ nào, em bật khóc trước cả lớp, quả cầu kí ức màu xanh dương – kí ức buồn trở thành một kí ức cốt lõi... Em muốn quay trở lại căn nhà xưa cũ, muốn trở về Minnesota yêu dấu và em quyết định sẽ đi một mình bằng số tiền lấy cắp từ ví tiền của mẹ. Lúc này đây, ta có thể thấy được sự thờ ơ ảnh hưởng như thế nào đến tâm trạng con người – nhất là đối với trẻ nhỏ, đây là một bài học rút ra cho các vị phụ huynh. Chỉ cần để ý một chút thôi, quan tâm một chút cảm giác của những người xung quanh, đặc biệt là người thân, ta sẽ có một cuộc sống viên mãn hơn.
Tính cách thất thường của Riley đã phần nào thể hiện tình hình trung tâm đầu não bây giờ, khi mà cả Anger, Fear và Disgust đảm nhiệm. Hiển nhiên với cái tính nóng nảy, manh động của mình, Anger là nhân tố giúp Riley đưa ra quyết định liều lĩnh: một mình trở về quê nhà. Đây là một chi tiết thông minh, Tức Giận, Sợ Hãi và Chán Ghét chèo lái não bộ của một đứa trẻ, chúng ta đã có thể đoán được đứa trẻ đó có vấn đề gì về tâm lý, một đứa trẻ trầm cảm.
Ở một diễn biến khác, Joy và Sadness đưa khán giả đi qua những cuộc phiêu lưu được sắp đặt khôn khéo từ mê cung lưu trữ bất tận của Ký Ức Dài Hạn, vùng đất Tưởng Tượng điên rồ, Tư duy Tổng Hợp... Khi mọi nỗ lực trở về đầu não đi vào ngõ cụt, họ gặp lại Bing Bong, người bạn tưởng tượng lúc nhỏ của Riley, một con vật với khuôn mặt voi, đuôi mèo và cơ thể mềm mại như kẹo bông. Khán giả phải xuýt xoa vì sự đáng yêu, đầu óc trong sáng, non nớt và một ít sáng tạo trong tâm trí của cô bé Riley. Ngu ngốc, khờ dại, vô tư, ngây thơ và trẻ con nhưng Bing Bong đã vô tình giúp Joy và Sadness nhận ra được tiềm năng, giá trị của họ. Chứng kiến cảnh tượng Sadness có thể giúp Bing Bong khuây khỏa sự đau khổ - cái mà Joy đã cố gắng nhiều lần nhưng không làm được, Joy biết mình đã sai lầm. Joy đã sai khi cho rằng Sadness không có giá trị nào trong quá trình hoàn thiện nhân cách của Riley, sai khi nghĩ rằng mọi hoàn cảnh chỉ cần lạc quan và vui vẻ một cách gượng gạo thì có thể qua. Chúng ta không cần vui vẻ mọi lúc. Chúng ta vẫn ổn thôi nếu chúng ta buồn rầu. Buồn rầu sẽ giúp cho ta nhận ra giá trị của những giây phút hạnh phúc, buồn rầu giúp chúng ta cứng cáp để đối mặt với những cảm xúc mới trong tương lai. Cảm xúc cũng có cảm xúc của nó. Sadness đã có lúc tự trách mình hủy hoại sự vui vẻ của chủ nhân và đã buồn lại càng buồn. Tuy nhiên, nỗi buồn cũng có giá trị của nó. Và giờ đây, khi biết được sai lầm của mình, Joy càng quyết tâm trở về đầu não. Nhờ sự giúp đỡ hết mình của Bing Bong, Joy thoát ra khỏi vực Quên Lãng để tiếp tục cứu chủ nhân. Đổi lại, Bing Bong ở lại đó mãi mãi, một sự thật đau lòng rằng có một lúc nào đó, một kí ức từng gắn bó thân thiết với ta bị ta đưa vào dĩ vãng, và từ từ biến mất. Tôi đã khóc khi xem đến cảnh ấy, và tôi tin cũng có nhiều khán giả cũng như tôi. Sự ra đi của Bing Bong giúp ta – những con người trưởng thành nhớ lại kí ức xưa cũ, nhớ lại khoảng thời gian còn non nớt, ngây thơ của mình. Và chắc hẳn bất cứ ai cũng có ít nhất một đôi lần muốn có một tấm vé đi tuổi thơ. Cuối cùng, nhờ sự thông minh, linh hoạt của mình, Joy đã thành công cùng Sadness trở lại đầu não. Họ có thành công giúp Riley trở lại là chính mình hay không?
Đã Đến Lúc Hãy Để Nỗi Buồn Phát Huy Tác Dụng Của Nó
Riley đã ăn cắp tiền của mẹ để bắt một chuyến xe về quê ngay trong đêm. Em đã suy nghĩ, day dứt, dằn vặt rất nhiều suốt chặng đường tới bến xe. Thế nhưng đến cuối cùng, lúc xe lăn bánh cũng là lúc em nhận ra mình không thể rời bỏ gia đình lúc này. Riley quay trở lại căn nhà, nơi mà bố mẹ đang quay quắt, rối rít vì nhận ra em đã bỏ đi. Bấy giờ, là lúc để Sadness điều khiển cảm xúc của em. Được Joy truyền động lực, Sadness ôm 5 kí ức cốt lõi lần lượt hiện lên trong tâm trí Riley, với màu xanh buồn bã. Riley cuối cùng không thể kìm nén cảm xúc của mình, đã bật khóc nức nở. Con biết bố mẹ không muốn con buồn, nhưng... con nhớ nhà cũ quá! Cuối cùng... cuối cùng thì Riley đã giãi bày lòng mình, cuối cùng em cũng đã nói cho bố mẹ biết được nỗi niềm bấy lâu nay em luôn ủ ấp. Thật sự xúc động vì đến cuối cùng, em đã vượt qua khủng hoảng tinh thần đầu đời cùng bố mẹ. Và, một kí ức cốt lõi hòa quyện giữa màu xanh dương và màu vàng được tạo ra, mọi chuyện trở lại quy củ của nó, các đảo nhân cách cũng được gây dựng lại. Và thật tinh tế biết bao, 5 kí ức cốt lõi hình thành không chỉ mỗi màu vàng năng động nữa mà đầy đủ 5 màu, 5 cảm xúc. Và... mọi chuyện đều ổn.
Inside Out – Sáng Tạo Rung Động Và Tinh Tế
Với Inside out, có nhiều khán giả kĩ tính đánh giá rằng nó phi logic đối với người lớn và khó hiểu đối với trẻ em. Phi logic ở chỗ con người không chỉ có 5 cảm xúc cốt lõi, thật thiếu sót khi không có Pride (Tự Hào) và Happy (Hạnh phúc)... Và hiển nhiên, trẻ em không thể nào nhận biết được hết mọi thông điệp gửi gắm trong bộ phim. Tuy nhiên, theo tôi, Pride hay Happy đều là một dạng của Joy, và đối với trẻ em, đôi khi chúng không cần phải hiểu một bộ phim mang lại ý nghĩa gì, chúng có thể được bố mẹ dẫn giải, và tôi tin chẳng có đứa trẻ nào đủ trưởng thành để có thể cảm nhận chúng đâu, thậm chí với một người lớn, có khi họ chỉ xem phim đơn giản để giải trí mà thôi. Chúng ta vui vẻ với những tình huống hài hước, dở khóc dở cười trong phim, chúng ta khóc với những nốt lặng của câu chuyện, chúng ta vỡ lẽ khi nhận ra rằng bấy lâu nay nỗi buồn trong chúng ta đã bị tổn thương rất nhiều. Điều quan trọng nhất khi xem xong Inside out, chúng ta cần biết rằng, đôi lúc chúng ta yếu đuối cũng không sao, yếu đuối để mạnh mẽ là bước đi giúp chúng ta cứng cáp, trưởng thành và hoàn thiện nhân cách của mình. 

Phim xoay quanh Veronica Sawyer, một cô gái trung học (do Winona Ryder thủ vai) đang tìm kiếm vị trí xã hội trong trường học và muốn thoát khỏi nhóm bạn gồm ba cô gái có tên là Heather.
Câu chuyện trở nên rắc rối khi Veronica gặp Jason "J.D." Dean (do Christian Slater thủ vai), một chàng trai bí ẩn và cuốn hút. Cặp đôi này bắt đầu một mối quan hệ, nhưng mọi thứ nhanh chóng đi xa khỏi tầm kiểm soát khi họ thực hiện những hành động cực đoan nhằm "giải phóng" trường học khỏi sự xấu xí và áp lực của những cô gái Heathers.
Phim chứa nhiều yếu tố châm biếm, phê phán xã hội và khám phá các vấn đề như áp lực từ bạn bè, sự cô đơn và cái chết. "Heathers" đã trở thành một tác phẩm kinh điển của thể loại hài đen và ảnh hưởng đến nhiều bộ phim và chương trình truyền hình sau này.

Nhân vật trung tâm phim là Hirayama (Yakusho Koji đóng), công nhân lau dọn nhà vệ sinh công cộng. Mỗi ngày, ông đều đặn làm việc, dành thời gian nghe nhạc, đọc sách, chụp ảnh, chăm sóc cây cối, thi thoảng dạo bước trên đường phố và ghé quán ăn bình dân.
Tác phẩm có lối kể nhẹ nhàng, ít thoại, mô tả quá trình tìm ý nghĩa cuộc sống của người lao động. Nhân vật luôn cảm thấy bình yên, tự tại dù đối mặt nhiều tình huống. Còn người cộng sự - chàng trai Takashi (Tokio Emoto) - luôn đặt câu hỏi tại sao Hirayama phải đi dọn từng ngóc ngách, ông thường im lặng và tập trung công việc.
Với Hirayama, mỗi sự vật, con người hiện diện trên đời đều mang ý nghĩa nào đó. Ở một phân cảnh, khi những người khác phớt lờ ông lão vô gia cư trong công viên, nhân vật chính chăm chú quan sát điệu nhảy của người này.
Màn độc diễn của Yakusho Koji trong một số trường đoạn, điển hình khi nhân vật ở một mình, khiến người xem phải dõi theo các cử động, biểu cảm gương mặt. Theo ScreenRant, nghệ sĩ thành công trong việc truyền tải tâm trạng và suy nghĩ của người lao công.
Trong một bài phỏng vấn, diễn viên Yakusho Koji cho biết phim khuyến khích người xem bỏ lại những điều tiêu cực ở quá khứ và trân trọng khoảnh khắc hiện tại. "Tôi nghĩ đó là thứ khiến dự án này trở nên giàu cảm xúc. Mỗi lần xem phim là một trải nghiệm khác", Koji nói.
Cây bút Wendy Ide của Observer nhận xét Perfect Days là dự án thành công nhất của Wenders trong những năm gần đây. Theo Wendy, nhịp điệu tác phẩm giống các phim của Yasujirō Ozu, A Benefits Life của Federico Veiroj và Wings of Desire - dự án từng giúp Wenders đoạt giải Đạo diễn xuất sắc Liên hoan phim Cannes 1987 do đều khám phá sự lạc lõng, bất an trong tâm hồn.
Ngày nay, công nghệ kỹ thuật số phát triển, nhưng nhân vật Hirayama ưa chuộng những vật dụng lỗi thời như băng cassette và máy ảnh phim. "Sự tấn công của nhiều thiết bị tiện nghi đối lập sự bình yên mà Hirayama hướng tới mỗi ngày. Có lẽ, bộ phim không chỉ ủng hộ cách nhìn khác về cuộc đời mà còn hướng đến lối sống mới", trang này viết.
Phim còn lồng ghép các bản nhạc thập niên 1960-1970 của Velvet Underground, Kinks, Otis Redding, Patti Smith và nhạc dân ca Nhật Bản cùng thời kỳ. Guardian nhận xét ca khúc Perfect Days của Lou Reed - cùng tên với bộ phim - và Feeling Good do Nina Simone trình bày - giúp dẫn dắt người xem vào thế giới tâm hồn của nhân vật.
Ở trường đoạn Takashi bị hư xe và muốn mượn chiếc ôtô của Hirayama để hẹn hò Aya (Aoi Yamada đóng), ông lưỡng lự, sau đó quyết định chở cả hai đi chơi. Trên chuyến xe ấy, đạo diễn cho thấy quan điểm về tình yêu và lối sống của ba người qua âm nhạc và đối thoại.
Aya khám phá con người Hirayama qua những chiếc băng cassette và nảy sinh tình cảm với ông. Hirayama hạnh phúc khi thấy có người cùng sở thích, nhưng giữ khoảng cách với cô gái vì tôn trọng đồng nghiệp. Còn với Takashi, tình yêu là điều quan trọng nhất và là thứ duy nhất khiến cậu thoát khỏi nỗi cô đơn.
Ban đầu, dự án có tên Komorebi (những tia nắng mặt trời xuyên qua kẽ lá). Nhưng trong suốt 16 ngày ghi hình, Komorebi trở thành Perfect Days sau khi đạo diễn và đồng biên kịch Takuma Takasaki nghe thấy bài hát cùng tên của ca sĩ Lou Reed khi đang quay một cảnh phim.
Theo Frieze, nhân vật Hirayama được hình thành khi đạo diễn đến Nhật Bản để theo dõi dự án The Tokyo Toilet. 15 nhà vệ sinh công cộng ở thành phố Shibuya (Tokyo) do 16 kiến trúc sư và nhà thiết kế nổi tiếng như Toyo Ito, Shigeru Ban, Kengo Kuma, Marc Newson, Sou Fujimoto đảm nhận. Các công trình này nhằm phục vụ người dân lẫn tăng mỹ quan đô thị. Vốn yêu thích nước Nhật, Wenders bị cuốn theo các thiết kế nhà vệ sinh, từ đó lên ý tưởng thực hiện tác phẩm.
Wim Wenders, 79 tuổi, là nhà làm phim và nhiếp ảnh gia nổi tiếng người Đức, được công nhận là nhân vật nổi bật của Làn sóng mới điện ảnh Đức những năm 1970. Một số tác phẩm tiêu biểu của ông gồm Alice in the Cities (1974), Kings of the Road (1976), Paris, Texas (1984) và Buena Vista Social Club (1999).
Năm 1977, The American Friend của đạo diễn nhận đề cử giải Cành Cọ Vàng Liên hoan phim Cannes lần thứ 30, đồng thời được Ủy ban Quốc gia về Phê bình Điện ảnh Mỹ (National Board of Review) bình chọn là Phim nước ngoài hay nhất.

Mùa đông ở Khu bảo tồn người da đỏ Wind River tại Wyoming, chuyên gia theo dõi kiêm đặc vụ của Cục Cá và Động vật hoang dã Hoa Kỳ Cory Lambert phát hiện ra xác chết đóng băng của cô gái 18 tuổi Natalie Hanson trong tuyết. Cô gái đi chân trần, mặc quần áo mỏng manh, háng dính máu và cách xa những tòa nhà. Đặc vụ FBI Jane Banner đến để điều tra vụ việc có thể là giết người này, bởi vì FBI có thẩm quyền đối với các vụ giết người trong các khu bảo tồn. Ngày hôm sau, Banner biết được từ bố của Natalie là Martin rằng con gái ông đang hẹn hò với bạn trai mới, nhưng ông không biết tên của người đàn ông đó hay nơi anh ta sống. Khám nghiệm tử thi cho thấy chấn thương vùng kín và bạo lực tình dục và xác nhận suy luận của Lambert rằng Natalie đã chết vì bị nhiễm lạnh. Cô bị xuất huyết phổi do hít không khí lạnh dưới không độ. Tuy nhiên, người giám định y tế không thể xác nhận cái chết là một vụ giết người, và Banner không thể nhận hỗ trợ từ đội điều tra của FBI.
Lambert phát hiện ra bạn trai mới của Natalie là Matt Rayburn, một nhân viên bảo vệ tại một trại khoan dầu gần đó. Ngày hôm sau, xác chết của Matt được tìm thấy, trần truồng và bị xâu xé bởi động vật hoang dã. Lambert kể với Banner về cái chết của con gái mình vào ba năm trước. Thi thể của cô bé được tìm thấy trong tuyết, sau một bữa tiệc tại nhà của họ trong khi vợ chồng anh đi vắng, không ai bị buộc tội trong cái chết của cô bé.
Banner, cùng với Cảnh sát trưởng Ben Shoyo và các sĩ quan cảnh sát quận, ghé qua trại khoan nơi họ gặp một số nhân viên bảo vệ của công ty. Nhóm bảo vệ báo cáo rằng Matt đã lao ra ngoài vài ngày trước đó, sau cuộc cãi vã với Natalie và từ đó không còn nhìn thấy anh. Một người bảo vệ đề cập rằng họ đã nghe về việc xác của Natalie được tìm thấy bằng cách theo dõi kênh radio của lực lượng thực thi pháp luật. Banner lưu ý rằng tên của nạn nhân vẫn chưa được tiết lộ. Một trong các sĩ quan cảnh sát nhận ra nhóm nhân viên bảo vệ đang chậm rãi vây quanh Banner và nhóm của cô. Tất cả mọi người chĩa súng vào nhau khi họ tranh cãi về việc ai có thẩm quyền. Banner xoa dịu tình hình bằng cách khẳng định thẩm quyền FBI của mình. Cô đề nghị được xem nơi Matt ngủ, và họ tiếp tục tiến về phía toa xe.
Một cảnh hồi tưởng cho thấy Natalie nằm trên giường với Matt trong toa xe của anh, và họ đang thể hiện cảnh yêu đương. Bất ngờ các đồng nghiệp bảo vệ của Matt trở về toa xe sau một đêm rượu chè say sưa. Pete chửi bới hai người và trêu chọc Natalie, điều này đã kích động Matt lao vào đánh Pete. Những gã bảo vệ trả đũa bằng cách đánh gục Matt trong khi Pete hãm hiếp Natalie. Nỗ lực chống trả của Matt đã cho Natalie một cơ hội trốn thoát, nhưng cả nhóm bảo vệ đã dùng dùi cui đập đồng nghiệp của chúng đến chết.
Trở lại hiện tại, Lambert đã kiểm tra lại dấu vết từ nơi thi thể của Matt được tìm thấy ngược trở lại trại khoan. Trong khi đó, Banner và nhóm cảnh sát tiếp cận toa xe của nhóm bảo vệ. Lambert, quan sát nhóm từ xa, phát tín hiệu cảnh báo cho Cảnh sát trưởng Shoyo. Banner bất ngờ bị thương ở ngực bởi một phát súng săn của Pete bắn qua cửa. Một cuộc đấu súng dữ dội xảy ra ở cự ly gần. Cảnh sát trưởng Shoyo và các sĩ quan khác bị giết. Khi các nhân viên bảo vệ còn sống chuẩn bị hành quyết Banner thì Lambert đến và giết chết bốn tên bảo vệ bằng khẩu súng trường bắn tỉa của mình. Pete cũng bị thương và chạy bộ để trốn thoát. Lambert bắt được tên bảo vệ này và đưa hắn lên đỉnh núi. Sau khi buộc hắn thú nhận có liên quan đến cái chết của Natalie và Matt, Lambert cho hắn cơ hội giống như Natalie đã có. Pete có thể chạy đến một con đường ở xa khi chỉ mặc quần áo mỏng và đi chân trần. Pete chạy nhưng nhanh chóng gục ngã khi phổi của hắn không chịu nổi không khí lạnh và bị xuất huyết phổi.
Khi Lambert đến thăm Banner trong bệnh viện, anh khen ngợi sự dẻo dai của cô. Sau đó, anh đến thăm Martin, người bố đau buồn của Natalie và thấy ông ta đang ngồi bên ngoài ngôi nhà với màu sơn "khuôn mặt chết chóc" và cầm một khẩu súng ngắn. Lambert nói với Martin rằng vụ án đã kết thúc và kẻ chịu trách nhiệm cho cái chết của Natalie đã đền tội. Họ chia sẻ sự đau buồn về cái chết của những người con gái của họ. Dòng chữ cuối phim cho biết rằng số liệu thống kê đối với những người mất tích được lưu giữ cho mọi sắc tộc, riêng phụ nữ da đỏ thì những con số này vẫn chưa rõ.

Nội dung phim đề cập đến vai chính là một sát thủ đòi nợ mướn cho một công ty chuyên cung cấp các bộ phận cơ thể người nhân tạo. Anh ta và đồng nghiệp là hai người bạn thân từ nhỏ, cùng trưởng thành, tham gia chiến đấu ở Irắc. Sau đó cùng trở thành hai sát thủ chuyên đòi nợ thuê. Phim đặt ra giả thuyết khá mới lạ là do thành tựu khoa học kỹ thuật phát triển nên công ty trên đã phát triển được các sản phẩm là bộ phận cơ thể người nhân tạo và tiến hành kinh doanh các bộ phận này với giá cực kỳ mắc (một bộ phận giá vài trăm ngàn USD). Nếu khách hàng không đủ tiền mua thì công ty sẵn sàng cho vay với lãi suất cắt cổ. Từ đó dẫn đến việc các khách hàng có thể bị khánh kiệt và phá sản do không thể trả được tiền gốc, rồi lãi mẹ lãi con. Khi quá hạn trả nợ, khách hàng mất khả năng thanh toán thường bỏ trốn nên công ty phải thành lập một đội sát thủ chuyên đi thu hồi các bộ phận nhân tạo đã ghép cho khách hàng. Điều này đương nhiên làm khách hàng chết vì bộ phận đã được cấy ghép nằm sâu trong cơ thể của khách hàng.
Bộ phận thu hồi nợ của công ty tức là đội sát thủ này luôn nghĩ rằng công việc của họ là chính nghĩa vì khách hàng không trả nợ thì họ phải đi thu hồi, nhưng họ không nghĩ rằng mỗi lần đòi nợ là họ đã hạ sát một mạng người. Diễn viên nam chính là một sát thủ trong bộ phận thu nợ của công ty. Vợ anh ta biết rằng công việc của anh ta là sai trái và yêu cầu anh ta chuyển sang bộ phận kinh doanh. Nhưng anh ta biết rằng mình không có năng khiếu bán hàng vì anh ta sẽ tiết lộ sự thật về khả năng khách hàng sẽ không sống được nếu không trả được nợ. Bên cạnh đó, người bạn chí cốt, chiến hữu lâu năm của anh ấy cũng không muốn anh ta chuyển sang bộ phận khác vì hai người đã là một cặp ăn ý. Vì thế trong một lần thu hồi nợ của anh, người bạn kia đã chơi xấu bằng cách lắp sai đầu điện thiết bị làm sốc tim. Anh ta bị bất tỉnh và tim bị chấn thương nặng. Và điều trớ trêu bắt đầu. Anh ta buộc phải thay tim nhân tạo của chính công ty mà anh ta đang làm việc. Chuyện gì đến phải đến, anh ta không có khả năng thanh toán cho công ty và bị các sát thủ của công ty tìm kiếm để thu hồi trái tim nhân tạo của mình. Phim có kết thúc sáng tạo khi làm cho khán giả tưởng như kết thúc có hậu nhưng thực sự thì anh ta bị công ty thay thế não bằng bộ não nhân tạo.

The Chronicles of Riddick (2004) là bộ phim khoa học viễn tưởng do David Twohy đạo diễn, là phần tiếp theo của bộ phim Pitch Black (2000). Câu chuyện xoay quanh nhân vật chính Riddick, do Vin Diesel thủ vai, một kẻ tội phạm nguy hiểm với khả năng vượt trội.
Nội dung phim diễn ra trong một vũ trụ hư cấu, nơi Riddick bị săn lùng bởi các thế lực khác nhau, bao gồm cả một nhóm quân đội gọi là Necromongers, những kẻ muốn chinh phục và biến đổi các hành tinh. Riddick phát hiện ra rằng mình là một trong những người còn sót lại của một chủng tộc chiến binh cổ xưa và được giao trách nhiệm cứu vớt vũ trụ khỏi sự xâm lăng của Necromongers.
Phim kết hợp giữa hành động, khoa học viễn tưởng và các yếu tố tâm linh, khi Riddick phải đối mặt với những lựa chọn khó khăn về danh tính và mục đích sống. Với những pha hành động mãn nhãn và một thế giới phong phú, The Chronicles of Riddick đã thu hút được sự chú ý của khán giả và mở rộng vũ trụ của nhân vật Riddick.

Project A (1983) là một bộ phim hành động hài nổi tiếng do Jackie Chan đạo diễn và đóng vai chính. Câu chuyện diễn ra vào những năm 1900 ở Hong Kong, khi băng nhóm tội phạm đang hoành hành và gây rối loạn.
Jackie Chan vào vai thanh tra hành động, người được giao nhiệm vụ duy trì trật tự và bảo vệ thành phố khỏi các băng nhóm cướp biển. Để hoàn thành nhiệm vụ, anh hợp tác với các đồng đội, bao gồm một người bạn thân và một nhân vật hài hước, tạo nên nhiều tình huống dở khóc dở cười.
Phim nổi bật với những pha hành động mãn nhãn, đặc biệt là các cảnh đánh nhau và đuổi bắt, thể hiện khả năng võ thuật điêu luyện của Jackie Chan. Bên cạnh những màn hành động, Project A cũng có nhiều yếu tố hài hước, mang lại sự giải trí cho khán giả.
Phim không chỉ thành công về mặt thương mại mà còn góp phần khẳng định phong cách độc đáo của Jackie Chan trong điện ảnh hành động.

Project A 2 (1987) là một bộ phim hành động hài của đạo diễn và diễn viên Jackie Chan. Đây là phần tiếp theo của bộ phim Project A (1983). Câu chuyện diễn ra vào đầu thế kỷ 20, khi Jackie Chan vào vai nhân vật cảnh sát hành động Hong Kong, cùng với những đồng đội của mình phải đối phó với các băng nhóm tội phạm.
Trong phần này, Hong Kong đang trong giai đoạn chuyển giao quyền lực, và cảnh sát phải chiến đấu với những tên cướp biển cũng như các thế lực ngầm. Phim nổi bật với những pha hành động đẹp mắt, các màn đánh nhau hoành tráng và sự hài hước đặc trưng của Jackie Chan.
Nội dung phim tập trung vào cuộc chiến chống lại cái ác, tình bạn và sự hy sinh, cùng với những tình huống hài hước mà các nhân vật gặp phải trong hành trình của mình. Phim được yêu thích nhờ sự kết hợp hoàn hảo giữa hành động và hài kịch, cùng với phong cách đặc trưng của Jackie Chan.

Blue is the warmest color (mà tớ sẽ gọi là Blue thôi) là một bộ phim lấy ý tưởng về đề tài đồng tính nữ. Là câu chuyện tình yêu được vun đắp bằng tất cả sự cuồng nhiệt nhất mà tuổi trẻ có thể có được
Trong khi Adele mới 17 tuổi và vẫn đang loay hoay tìm ra con người thật của mình thì Emma - một sinh viên năm 4 với mái tóc ngắn màu xanh đầy cá tính và nụ cười ấm áp - đã giúp Adele khám phá ra bản thân thực sự là ai. 
Với tớ, Adele là một con người vô cùng mạnh mẽ và có chút phóng khoáng của một cô gái Pháp điển hình. Từ cách buộc tóc cho đến khi ăn, nó không hề điệu đàng hay nhỏ nhẹ mà ngược lại: rất dứt khoát, không cầu kỳ, không chải chuốt. Nhưng thực ra, bên trong cô gái ấy vẫn ánh lên chút gì đó tự ti và dè chừng. Nó chất chứa trong những lần nói chuyện với bạn, Adele luôn cần họ nhắc nhở rằng mình xinh đẹp và tài giỏi để cảm thấy tốt hơn.
Nếu như Emma có mái tóc xanh đầy ấm áp và nổi bật, thì điểm khiến tớ ấn tượng ở Adele lại là một mái tóc được buộc qua loa, chỉ xõa ra khi tâm trạng thực sự vui và cách liếm môi đầy ướt át trước khi hôn một người.
Cũng giống như bất kỳ tình yêu nào khác, hai con người đến với nhau bằng sự đồng điệu về tâm hồn. Tớ nghĩ Emma và Adele cũng vậy! Một người dành thời gian của mình cho những quyển sách, người kia lại đắm chìm trong những bức tranh. Họ đều yêu thích nghê thuật và có một thế giới nội tâm phong phú. Chẳng thế mà Emma đã kết hợp giữa tình yêu hội họa và tình yêu cho Adele để hoàn thiện bức vẽ tốt nghiệp của mình.
Thế nhưng... chuyện tình của hai cô gái ấy sẽ cuồng nhiệt mãi như vậy?
Trong buổi party mừng lễ tốt nghiệp, hình ảnh Emma đã hiện lên với mái tóc ngắn hơn và màu xanh không còn nữa. Nó giống như một dấu hiệu gì đó báo rằng sự ấm áp đang phai nhạt dần. Điều đó càng thể hiện rõ ràng hơn trong ánh mắt lạc lõng của Adele ở bữa tối. Tớ đã cảm thấy được một nỗi cô đơn nào đó bao trùm nhưng vẫn mơ hồ không rõ vì sao.
Vì sao lại là blue?
"Blue" xuất hiện ngay từ cái tên của bộ phim, nó khiến cho tớ không khỏi tò mò. Tại sao lại là màu xanh dương? Tại sao không phải màu đỏ của đam mê hay một sắc màu nào khác?
Rõ ràng là tình yêu của họ không chỉ chứa đựng 2 điều đó mà còn có cả những suy tư trầm lặng trong thế giới của mỗi người. Và xanh dương - sắc màu của ấm áp, dịu nhẹ và man mác chút buồn - mới có thể đem lại cảm giác gần nhất với tình yêu đó. Đấy là lý do màu xanh xuất hiện ở khắp mọi nơi, hầu như trong mọi khung hình, dần dần "xâm chiếm" bằng những sắc thái đậm hơn, tối hơn. Và hai nhân vật chính cũng theo đó trưởng thành hơn, trong chính tình yêu của mình và cả sau này...
Một bộ phim dài và lặng lẽ
Trong 3 tiếng: yêu cuồng nhiệt có, cãi vã có, những sự thay đổi có... Nhưng rốt cuộc đọng lại trong tớ là vẫn là một Blue man mác, lắng đọng và lặng lẽ:
Sắc xanh dịu dàng
Tiếng Pháp êm ái và quyến rũ
Những cảnh cận và đặc tả được sử dụng liên tục (Biết là để nhấn mạnh cảm xúc nhưng tớ vẫn không hiểu được sao phải cần nhiều đến vậy? Nó khiến tớ cảm giác bị ngột ngạt).
Và hầu như không có cả nhạc nền hỗ trợ nữa
Tất cả những điều đó đã góp phần tạo ra cảm xúc chân thực và sự đồng cảm. Đấy mới là thứ níu giữ tớ xem phim chứ không phải bất kỳ yếu tố cao trào, giật gân, hài hước hay sự tò mò mà những bộ phim ăn khách thường có.
Thực ra như bao câu chuyện tình yêu mà đúng không? Bắt đầu từ những ấn tượng, phải lòng, say đắm, cuồng nhiệt, bất hòa rồi tan vỡ. Nó cho chúng ta thấy là rằng một mối tình đồng giới cũng sẽ diễn ra như bất kỳ mối tình bình thường nào khác mà thôi. 
Vậy nên, tình yêu đồng tính chẳng có gì là trái với tự nhiên cả, bởi cái gì trái với tự nhiên vốn dĩ sẽ chẳng thể xảy ra được.
Nếu phim không có cảnh nóng thì sao?
Thì chắc chắn nó sẽ chẳng thể chân thực và cảm xúc được đến thế.
Tớ phải đặt ra câu hỏi này vì rất nhiều bài review nhắc đến bộ phim với những từ ngữ như: "18+", "cảnh nóng", "gây sốc", "cấm chiếu"... một cách không thiện cảm cho lắm.
Chẳng phải chúng ta vẫn hay tò mò về mối quan hệ của những người đồng giới, kể cả điều thầm kín nhất sao? Cũng chẳng dễ dàng gì mà diễn viên có thể lột tả được cảm xúc trong những cảnh như thế mà không ngượng ngùng hay gượng ép. 
Tớ tin là mục đích cuối cùng của cảnh nóng trong Blue cũng chỉ để người xem thấy được cảm xúc nơi tình yêu của Emma và Adele, một cách chân thực và cao trào nhất mà thôi.
Cảm nhận của phụ nữ về cơ thể của phụ nữ còn sâu sắc và gợi cảm hơn nhiều so với khi đàn ông nghĩ về họ.
Đó là những gì một anh chàng đã nói tới trong buổi tiệc mừng tốt nghiệp của Emma. Một câu nói tưởng chừng như vu vơ nhưng sau những cảnh thân mật trong Blue, nó lại được khắc sâu và minh chứng rõ ràng hơn bao giờ hết.
Bộ phim kết thúc khi Adele mặc chiếc váy màu xanh thật đậm, mái tóc xõa nhưng gọn gàng hơn, nhạc nền nổi lên và cô quay lưng lại với phòng tranh để bước tiếp... Cô ấy đã sẵn sàng cho một cuộc sống mới và chấp nhận những gì đã mất đi. Tớ nghĩ vậy!

“Stardust” được chuyển thể từ cuốn tiểu thuyết cùng tên của tác giả Neil Gaiman kể về chuyến phiêu lưu của Tristan Thorn. Để chinh phục trái tim của người chàng yêu, Tristant đã hứa sẽ bước vào lãnh địa ma thuật để đem về cho nàng ngôi sao băng đính ước.
“Stardust” bắt đầu với cảnh quay ở làng Wall yên bình. Sở dĩ ngôi làng có cái tên như vậy bao quanh ngôi làng là những bức tường chắn để giữ cho người dân tránh xa một thế giới siêu nhiên đang tồn tại song song phía bên kia bức tường. Ở làng Wall có chàng trai trẻ Tristan, vì đã hứa với cô gái xinh đẹp nhất làng mà chàng thầm yêu trộm nhớ rằng chàng sẽ đem về cho cô ngôi sao băng, Tristan phải băng qua bức tường cấm và bước vào một thế giới bí ẩn đầy những câu chuyện ma thuật.
Thế nhưng, khi đặt chân tới vương quốc ma thuật Stormhold, Tristan phát hiện ra ngôi sao băng không phải như chàng tưởng tượng mà là một cô gái trẻ xinh đẹp đang bị thương. Nàng đang bị các hoàng tử của vương quốc Stormhold truy sát để lấy được viên hồng ngọc đeo trên cổ nàng nhằm tranh giành ngôi báu, bị mụ phù thủy quyền năng Lamia tìm kiếm để moi lấy trái tim nàng nhằm lấy được sắc đẹp và tuổi trẻ vĩnh hằng. Như một định mệnh, Tristan trở thành người bảo vệ nàng thoát khỏi những kẻ thù nguy hiểm. Bằng trí thông minh của mình và sức mạnh của tình yêu mới, Tristan không những cứu được cô nàng sao băng xinh đẹp mà còn khám phá ra thân phận thật sự của chàng.
Là một bộ phim phiêu lưu kể về những câu chuyện thần tiên, “Stardust” chứa đựng những yếu tố có thể mê hoặc khán giả mọi lứa tuổi vì ai cũng từng trải qua thời thơ ấu. Người xem sẽ có cảm giác trôi bồng bềnh trong làn gió mát của những vùng đất thần tiên và sắc màu lung linh của tình yêu. Có thể nói “Stardust” góp thêm vào danh sách những phim lớn trong năm - một tác phẩm sẽ níu chân khán giả cho đến khi đèn trong rạp bật sáng. 
Motif của bộ phim không mới lạ, thậm chí thường thấy ở các câu chuyện cổ tích, thế nhưng vẫn truyền tải những thông điệp sâu sắc và phù hợp với thời đại cho dù thông điệp ấy không còn xa lạ: cái thiện luôn chiến thắng cái ác. “Stardust” dường như là sự kết hợp giữa tính tò mò ngây ngô của trẻ em và sự nhạy cảm của người lớn. Điều đó chính là mấu chốt tạo nên sức hút của bộ phim.
Đạo diễn Matthew Vaughn vẫn giữ nhịp phim hành động nhanh. Ông chọn những vùng hoang sơ của xứ Ai-len và Scotland làm địa điểm quay phim. Do đó, khán giả sẽ bắt gặp những cảnh rượt đuổi trong hang đá dài và những khu rừng âm u. Ngoài việc chọn những cảnh hoang sơ làm địa điểm quay, các yếu tố khác như kỹ thuật dựng hình, thiết kế trang phục và hậu kỳ tạo cho bộ phim một gam màu trung cổ huyền bí. Cốt truyện, như bao câu chuyện dành cho trẻ em khác, hết sức giản dị, mạch lạc, có chính, có tà, kết thúc có hậu, nhưng người lớn khi xem phim sẽ chú ý thêm tình cảm của người làm phim bởi sự chăm chút, cân đối trong các tiết tấu, tình huống được thể hiện rõ.
Mâu thuẫn vừa đủ, số nhân vật cũng vừa đủ để khán giả tập trung được tính cách cho chàng trai hậu đậu (Ben Barnes, một ngôi sao mới) và cô gái - ngôi sao băng xinh đẹp (Claire Dane, người đóng vai chính trong “Romeo và Juliet tân thời” năm 1997). Hai diễn viên trẻ này tuy không nổi bật lắm với vai diễn chính diện nhưng đóng rất ăn ý, khiến cho câu chuyện liền lạc và đầy những mơ mộng thần tiên đúng như ý đồ của đạo diễn.
“Cây cổ thụ” gạo cội của Hollywood - Robert de Niro chỉ xuất hiện với tư cách khách mời đặc biệt với vai diễn thuyền trưởng Shakespeare của con tàu chuyên đi bắt sấm sét trên trời nhốt vào thùng để đem bán. Trong phim “Flawless” (1999), anh vào vai một nhân viên bảo vệ có đầu óc bảo thủ, sau một lần đột quỵ đã bị liệt và phải sống tại một chung cư toàn những người đồng tính sôi động. Lần này, vị “thuyền trưởng” de Niro bặm trợn, sát gái, phải gồng mình lên với vai trò xã hội của mình trong khi anh là một người đồng tính thích giả trang thành nữ. Anh đã hoàn thành xuất sắc vai diễn nhạy cảm của mình, không hề cường điệu trong từng pha diễn hài hước hết sức lý thú.
Còn vẻ đẹp thanh lịch của Michelle Pfeiffer, “người mèo” nổi tiếng của phim “Batman trở lại” (1992) lần nữa được tôn vinh khi cô vào vai một trong ba mụ phù thủy độc ác săn tìm trái tim của ngôi sao băng. Bằng những cái cau mặt toan tính và các động tác hình thể vừa đẹp, vừa hiệu quả, mụ phù thủy ấy dù đã bị hàng trăm năm tuổi tác làm úa tàn nhan sắc vẫn có cái thần thái của người chinh phục con tim kẻ khác.
Với hình ảnh đẹp lung linh, đồng cỏ xanh tươi bát ngát, đỉnh núi phủ tuyết trắng xa mờ, những tràng hoa vàng mơ màng... “Stardust” sẽ mang đến cho bạn cảm giác được sống trong thế giới thần tiên tuyệt vời.

Murder on the Orient Express (1974) là một bộ phim trinh thám do Sidney Lumet đạo diễn, dựa trên tiểu thuyết cùng tên của Agatha Christie. Câu chuyện diễn ra trên chuyến tàu Orient Express, nơi thám tử lừng danh Hercule Poirot, do Albert Finney thủ vai, đang đi du lịch.
Khi một hành khách giàu có bị giết hại trong toa tàu, Poirot được yêu cầu điều tra. Tất cả các hành khách khác đều là nghi phạm, và mỗi người trong số họ có động cơ riêng để muốn giết nạn nhân. Poirot lần lượt phỏng vấn từng hành khách, khám phá ra những bí mật, mối liên hệ và sự thật phức tạp giữa họ.
Bộ phim nổi bật với kịch bản chặt chẽ, diễn xuất ấn tượng và không khí căng thẳng. Cuối cùng, Poirot đưa ra hai khả năng khác nhau về động cơ giết người, dẫn đến một cái kết đầy bất ngờ và đầy ý nghĩa về công lý.

“LONGLEGS: Thảm Kịch Dị Giáo” là một trong những bộ phim kinh dị đang gây sốt tại Hollywood và sắp sửa đặt chân đến các rạp chiếu ở Việt Nam vào ngày 06.09.2024. Với sự kết hợp giữa yếu tố tâm lý căng thẳng và những chi tiết siêu nhiên, bộ phim đã nhanh chóng trở thành một cú sốc lớn cho các tín đồ yêu thích thể loại kinh dị. Phim được kỳ vọng sẽ mang đến cho khán giả một trải nghiệm điện ảnh không thể nào quên, với những tình tiết khiến người xem phải rùng mình.
Bộ phim kể về một loạt vụ thảm sát khủng khiếp xảy ra tại bang Oregon, Mỹ, do một kẻ giết người hàng loạt bí ẩn có tên là Longlegs thực hiện. Những vụ án này không chỉ khiến các gia đình phải sống trong nỗi sợ hãi mà còn khiến FBI phải đau đầu trong việc tìm kiếm hung thủ. Longlegs không chỉ là một cái tên, mà còn là biểu tượng của sự tàn bạo và kinh hoàng.
Trong “LONGLEGS: Thảm Kịch Dị Giáo,” nữ diễn viên Maika Monroe đảm nhận vai Lee Harker, một đặc vụ FBI trẻ tuổi với khả năng trực giác đáng kinh ngạc. Cô được giao nhiệm vụ điều tra một trong những vụ án bí ẩn nhất của FBI, liên quan đến một kẻ giết người hàng loạt tự xưng là Longlegs và theo tín ngưỡng dị giáo. Mỗi vụ án đều có những điểm tương đồng kỳ lạ: các nạn nhân đều là các thành viên trong cùng một gia đình và có một cô con gái có sinh nhật vào ngày 14. Mỗi hiện trường vụ án đều có một ghi chú mã hóa của Longlegs để lại, nhưng không có bằng chứng nào cho thấy có ai khác ngoài gia đình nạn nhân từng xuất hiện tại hiện trường.
Bộ phim còn có sự góp mặt của Nicolas Cage, người giành giải Oscar, trong vai kẻ giết người hàng loạt Longlegs. Diễn xuất của Cage mang đến một hình ảnh sát nhân vừa hài hước, vừa đáng sợ, khiến người xem phải cảm thấy rùng mình. Sự kết hợp giữa Cage và Monroe tạo nên một màn trình diễn đầy kịch tính và ám ảnh, khiến người xem nhớ đến các nhân vật kinh điển trong các bộ phim như “The Silence of the Lambs.”
Bộ phim được đạo diễn bởi Osgood Perkins, con trai của nam diễn viên Anthony Perkins, nổi tiếng với vai Norman Bates trong bộ phim kinh điển “Psycho” của Alfred Hitchcock. Perkins đã xây dựng cho mình một phong cách đạo diễn độc đáo, lấy cảm hứng từ David Lynch, tạo ra một không khí khó chịu và ngột ngạt trong từng cảnh phim. Những góc quay kỳ lạ và cách dàn dựng tinh tế của Perkins khiến cho “LONGLEGS: Thảm Kịch Dị Giáo” trở thành một bộ phim kinh dị tâm lý kinh điển, với cảm giác bất an thường trực.
Nếu bạn mong đợi một bộ phim kinh dị với những cảnh hù dọa bất ngờ và giật mình như thường thấy, “LONGLEGS: Thảm Kịch Dị Giáo” sẽ mang đến một trải nghiệm khác biệt. Phim không hoàn toàn theo hướng truyền thống mà sẽ khiến bạn cảm thấy bất an với những trò đùa không phù hợp và sự tích tụ nỗi sợ hãi âm ỉ. Đây chính là yếu tố tạo nên sự độc đáo và hấp dẫn của bộ phim.

Exhuma xoay quanh hai pháp sư trẻ là Hwa-rim (Kim Go-eun) và Bong-gil (Lee Do-hyun). Họ hợp sức với nhau để cứu lấy đứa trẻ sơ sinh của một gia đình người Mỹ gốc Hàn giàu có. Với sự hỗ trợ của bậc thầy phong thủy hàng đầu Kim Sang-deok (Choi Min-sik) và người khâm liệm Yeong-geun (Yoo Hae-jin), họ bắt đầu đào và di dời ngôi mộ để xoa dịu tổ tiên của khách hàng. Thầy phong thủy cảm nhận được một nguồn năng lượng tiêu cực và muốn từ chối công việc, nhưng với sự thuyết phục của Hwa-rim, cuộc khai quật bắt đầu. Tuy nhiên, trong quá trình đó, các thế lực tà ác bị giải phóng đã đe dọa tính mạng của gia đình khách hàng giàu có kia.
Là một phim được sản xuất bởi Hàn Quốc nên mình thấy trong đó mang nhiều nét văn hóa châu Á. Bộ phim tinh tế khắc họa những phong tục tập quán truyền thống như việc tìm nơi an nghỉ cuối cùng cho người thân đã khuất hay quan niệm về trùng tang, ngũ hành tương sinh & tương khắc. Điểm đặc biệt là hình ảnh ma mị trong phim không hề rõ ràng, không giống như phong cách rõ ràng, hứa hẹn sự kinh hoàng của phim ma Âu Mỹ. Thay vào đó, bóng ma chỉ hiện hữu qua hình ảnh phản chiếu mờ ảo trong gương, ngọn lửa lập lòe hay thân hình mơ hồ, tạo nên một cái nhìn khác biệt, thúc đẩy sự sợ hãi từ sâu thẳm trong tâm trí mỗi người xem. Việc quật mộ không chỉ được thực hiện một lần, mà là rất nhiều lần, cứ mỗi nhát xẻng là mình lại giật mình một gần bởi sau lớp đất lạnh lẽo chính là những bí mật khủng khiếp đang bị chôn vùi.
Kịch bản của phim được đầu tư chỉn chu, chia hồi rõ ràng và dĩ nhiên là càng về sau mọi thứ càng căng thẳng, dồn dập cùng nhiều cú lật khiến khán giả chỉ biết vừa ngạc nhiên nhưng cũng phải vừa nép mình, bám chặt vào tay ghế để vơi đi nỗi sợ đang dâng trào. Ban đầu chỉ là lần quật mộ bình thường, khá yên ổn, nhưng sau đó là vô số cú lật làm cho Khen Phim đi từ nỗi sợ này đến nỗi sợ khác, khi thì run rẩy chứng kiến nhân vật Hwa-rim một mình đối đầu với bóng ma đứng trước nhà kho, lúc khác lại phải che mắt bởi màn moi gan cực kỳ tàn bạo mà ác linh thực hiện.
Exhuma thực sự tạo nên ấn tượng mạnh mẽ bởi sự tận tâm trong diễn xuất của toàn bộ dàn diễn viên. Từ người đào mộ, thầy phong thủy cho đến người khâm liệm, mỗi nhân vật đều thể hiện vai trò của mình một cách chân thực, tạo nên sự đồng lòng trong việc mang đến một câu chuyện hấp dẫn và thuyết phục. Đặc biệt, Yoo Hae-jin – một gương mặt quen thuộc với khán giả qua những vai diễn hài hước, trong phim này đã thay đổi hình tượng, chuyển sang một phong cách nghiêm túc hơn. Anh đã thành công trong việc khắc họa đặc trưng của một người làm nhiệm vụ khâm liệm, mang đến cho khán giả một trải nghiệm thú vị và không kém gần ghê rợn.
Phần nghe, nhìn trong Exhuma thực sự tạo nên một không gian u ám, rùng rợn đến từng giây phút. Hình ảnh đen tối, nặng nề như đang giữ chặt lấy khán giả trong một thế giới đầy kinh hoàng và bí ẩn. Đặc biệt, âm nhạc càng làm tăng thêm sự ma mị, liêu trai. Những giai điệu dồn dập, đầy ám ảnh như đang khơi gợi sự sợ hãi từ sâu thẳm trong tâm trí mỗi người. Tất cả cùng tạo nên không khí của một bộ phim tâm linh, đưa khán giả vào trạng thái căng thẳng, hồi hộp đến những phút cuối cùng.
Tóm lại, Exhuma không chỉ là một bộ phim kinh dị đơn thuần. Bộ phim đã thành công trong việc kết hợp giữa yếu tố kinh dị với văn hóa truyền thống châu Á, tạo nên một câu chuyện thú vị và đầy hấp dẫn. Diễn xuất của dàn diễn viên cùng với hình ảnh đen tối, âm nhạc ma mị đã tạo nên một không gian u ám, khiến khán giả không thể rời mắt.

Body Double (1984) là một bộ phim kinh dị tâm lý do Brian De Palma đạo diễn. Nội dung phim xoay quanh một diễn viên đóng thế tên là Jake Scully, người bị ám ảnh bởi một người phụ nữ mà anh ta thấy trong một cuộc theo dõi. Khi phát hiện ra rằng cô ấy có thể là mục tiêu của một kẻ giết người, Jake quyết định điều tra và bảo vệ cô. Bộ phim pha trộn giữa yếu tố tội phạm, tâm lý và những tình tiết giật gân, cùng với các chủ đề về sự giám sát, sự thật và ảo giác.

Cuộc đời có những thứ rất lạ, thứ mình tìm kiếm thì mãi không thấy, đến khi thấy mới biết nó ở ngay cạnh mình. Và có những khoảnh khắc, những cuộc hội ngộ đến bất ngờ ngay lúc mình đã buông bỏ không chờ đợi. Bộ phim này cũng là 1 điều bất ngờ cho những ngày xa nhà của poly. Bất ngờ nhìn thấy MV của bộ phim này được 1 fb share lại. Poly xem lại MV này phiên bản HD đẹp rạng rỡ đầy cảm xúc, thế là lật đật tìm lại bản phim 1990 mà nghiền ngẫm. Ai ngờ càng xem càng thấy hình như là có gì đó sắp đặt sẵn khi một mình ngồi xem phim này vào đêm 22/9/2018.
A Moment of Romance 1990 – Thiên Nhựơc Hữu Tình, có vài chi tiết khiến poly phải tin là phim vận vào đời, đời mình như phim trong phim cũng có 1 cái sinh nhật, cũng là đêm người Hoa đốt đèn đón trung thu. Câu chuyện phim chẳng có gì mới đâu, nhưng đối với dân ghiền phim HK thì là 1 trời kỷ niệm, người cũ cảnh cũ câu chuyện xưa nhưng chắc chẳng bao giờ cũ đối với những thằng 7x 8x thẳng tính mê xe chỉ mong tìm được 1 người con gái chịu ngồi sau xe ôm mình và chịu được cái tính trời đánh thánh đâm của mình. Xem để thấy lại tiêu chuẩn nam nhi 1 thời sao mà đơn giản nhẹ nhàng chỉ cần mạnh mẽ và đàn ông là được. Chứ không như bây giờ miệng đời và lòng người khó lường quá.
Và chuyện tình yêu nhẹ nhàng như con gió, ràng buộc nhẹ như mây, nhưng vấn vương mãi không thể chia lìa. Và nhiều khi nam nhi sẵn sàng đổ máu chỉ vì 1 ánh mắt, liều chết vì 1 nụ cười. Cuối cùng ngã xuống cũng chỉ vì nụ cười và ánh mắt đó. Ngoài ra, poly cũng mê mẩn cái không khí dậm chất HK trước năm 97 rất quen thuộc mà sau đó đã biến mất hoàn toàn trên màn ảnh khi HK được trả về cho TQ quản lý.
Về phương diện làm phim, năm 1990 mà điện ảnh HK đã làm được kiểu phim này, nói cho mấy bạn trẻ dễ hình dung là 1 kiểu Fast and Furious phiên bản XHD HK ( dù phim HK có trước tận 11 năm). Sáng nay nói chuyện với mấy anh em trong đoàn phim Hậu Duệ Mặt Trời Vietnam mới nói xem mà khủng hoảng quá vì 29 năm trước mà HK đã quay được như vậy. Hiểu chuyện làm phim mới thấy mấy cảnh đua xe rồi đại cảnh quần chúng đua xe tải rồi set car mount kinh quá.
A Moment of Romance 1990 – Thiên Nhựơc Hữu Tình quá thành công tại thời điểm đó, nhất là bài hát OST của phim mà dân 7x 8x chắc chắn nghe sẽ nhận ra ngay. Ai còn nhớ thì vào đây xem MV bản HD đẹp ngỡ ngàng

Hellu, tớ đã quay trở lại với một bài review phim “cũ” khởi đầu cho một năm mới rồi đây. What happened to Monday là một bộ phim hành động – giả tưởng của đạo diễn Tommy Wirkola, ra mắt vào giữa năm 2017, cùng thời điểm với siêu phẩm IT. Có lẽ chính vì vậy mà bộ phim này đã không may mắn và bị lấn át bởi sức hút và độ nổi tiếng ở các phòng vé của IT. Tuy nhiên, tớ không phải fan của phim kinh dị, vậy nên khi mà hầu hết mọi người điên đảo vì Pennywise thì tớ đã dành sự chú ý của mình vào What happened to Monday nhiều hơn (phần lớn là do cái tên khá ấn tượng). Sau khi xem trailer thì tớ thực sự thấy nội dung khá thú vị, tò mò muốn xem vô cùng và rủ luôn đứa em họ đi cùng. Thế nhưng, vì một vài lí do nào đó mà bây giờ tớ không còn nhớ rõ, lần xem phim ấy bị hoãn. Tớ cũng lãng quên luôn bộ phim này ngay sau đó .-. Giờ nghĩ lại thấy tiếc vì không xem nó sớm hơn huhu. Cơ duyên một lần nữa cho tớ gặp lại bộ phim là khi tớ search ‘Movies similar to Inception’ và ‘Mind blowing films’. Ừ thì What happened to Monday cũng không phải kiểu quá hack não như Inception, thế mà tìm tới tìm lui một hồi lại thấy luôn bộ phim mà mình lỡ lãng quên gần hai năm trước, thế là xem thôi!
Ấn tượng đầu tiên của tớ về bộ phim này là cái tên. ‘What happened to Monday?’ – một câu hỏi đánh trúng tâm lí của bất kì người xem nào. Ai trong chúng ta chẳng ái ngại, thậm chí là lo sợ những áp lực của ngày thứ hai đầu tuần ; chẳng quyến luyến những cuộc vui ngày thứ bảy, chủ nhật. Khi xem phim rồi, bạn còn nhận ra cái tên chính là một kiểu chơi chữ, gắn liền với nút thắt chính của phim: sự biến mất kì lạ của cô chị cả Thứ Hai – Monday. Một cách đặt tên thông minh khiến cho phần nội dung phim càng trở nên lôi cuốn hơn bao giờ hết. Ấn tượng thứ hai là khi thấy Netflix hiện ra ở intro thì tớ có phần hào hứng, thiện cảm cũng như thêm kì vọng vào bộ phim này. Và nội dung mới mẻ của nó khiến tớ cảm thấy phim khá đáng xem, suy ngẫm.
Mở đầu cho chuỗi ngày tháng bi kịch là thảm kịch đen tối: ô nhiễm môi trường, thiếu lương thực, bùng nổ dân số,... đều là viễn cảnh hoàn toàn có thể xảy ra trong tương lai gần nếu như loài người không biết bảo vệ và trân trọng những gì ta đang có. Phim lấy bối cảnh là tương lai khi thế giới mà chúng ta đang sống phải đối mặt với vấn nạn bùng nổ dân số khủng khiếp, cứ 4 ngày lại có thêm 1 triệu người được sinh ra. Năm 2030, gần 10 tỉ người phải chen chúc, dẫm đạp lên nhau mà sống. Hệ quả của việc gia tăng dân số này là nhu cầu tiêu thụ năng lượng, thực phẩm tăng chóng mặt. Tuy nhiên, vấn đề ô nhiễm môi trường đã khiến cho nền nông nghiệp bị tàn phá nặng nề, nạn đói tràn lan ở mọi nơi. Loài người buộc phải sử dụng thực phẩm biến đổi gen để duy trì sự sống, khiến cho cấu trúc gen của họ dần thay đổi: các ca sinh năm, sinh bảy xuất hiện ngày một nhiều. Nhân loại rơi vào một vòng luẩn quẩn và đứng trước nguy cơ diệt vong. Trước tình cảnh ấy, những kẻ nắm quyền lực đã tạo ra một điều luật có tên là Child Allocation Bureau (CAB), hay tạm dịch là Luật Phân bổ Trẻ em, dưới sự giám sát và điều hành, quản lí bởi Nicolette Cayman. Điều luật khắt khe này quy định mỗi gia đình chỉ được phép sinh một con, thậm chí quan trọng hơn cả Luật Nhân đạo: tất cả những đứa con thứ sẽ được đưa vào kho đông lạnh, chờ một ngày Trái đất phục hồi.
Bảy chị em sinh bảy nhà Settman, mang những cái tên là từng thứ trong tuần (Monday đến Sunday) sống ở ngoại ô với người ông, và được huấn luyện để sinh tồn trong suốt nhiều năm, tránh khỏi điều luật của Chính phủ. Họ chỉ được phép ra ngoài một tuần một lần, vào ngày trùng tên họ, dưới danh nghĩa người mẹ đã mất Karen Settman, và phải hết sức cẩn thận để không bị phát hiện bởi hệ thống định vị nhân dạng của CAB. Tuy nhiên, một ngày, cô chị cả Monday – vốn là người nghiêm chỉnh và đúng giờ nhất, biến mất đầy bí ẩn sau buổi làm việc. Sáu cô em gái vừa phải tìm kiếm chị mình, vừa phải chống lại đội quân của Chính phủ.
Bối cảnh là một chuyện, nhưng sức sáng tạo tuyệt vời và độc đáo nằm ở câu chuyện về bảy chị em sống dưới cùng một thân phận. Người xem sẽ phải băn khoăn về cách họ chia sẻ tất thảy những bí mật và chuyện riêng tư của mình với nhau, học cách điều hòa và tiết chế, đồng bộ mọi thứ để tạo ra hình ảnh một Karen Settman sao cho tự nhiên nhất, đại diện nhất. Thậm chí, cả vết thương của họ cũng phải y xì đúc. Vậy nên, sẽ ra sao nếu như một mắc xích biến mất? Khi Monday mất tích, các chị em mới nhận ra rằng họ không hoàn toàn thành thật với nhau. Chính vì lẽ ấy mà thân phận của họ bị phát hiện. Ai là kẻ đã tiết lộ thông tin, bán đứng gia đình. Và tương lai của họ sẽ ra sao?
Sau cùng, bầu không khí chết chóc bao trùm lên nửa phần phim sau khi đã có người phải ra đi. Bảy người chỉ là những cô gái bình thường, không sở hữu kĩ năng nào quá đặc biệt. Dưới sức ép của Uỷ ban Phân bổ Trẻ em thì việc mất mạng cũng là điều tất yếu. Tuy nhiên, tớ vẫn luôn hồi hộp và mong chờ một tia hi vọng nào đó đến với các cô gái. Thật ra, khi xem phim, ta hoàn toàn có thể đoán ra kẻ đứng sau mọi chuyện là ai, nhưng ta vẫn sẽ tò mò về động cơ của người ấy, và vẫn đủ hứng thú để tiếp tục xem.
Một điều làm tớ phải ngạc nhiên và cảm thấy khá thú vị là diễn xuất tuyệt vời của Noomi Rapace. Một người đảm nhận đến bảy vai diễn, xuất hiện trong cùng một khung hình. Diễn xuất tỏa sáng của cô đã làm nên một tuyến nhân vật vô cùng chỉn chu, có hồn. Nếu như James McAvoy đã khiến tớ ngả mũ nể phục khi diễn vai người bị đa nhân cách, một lúc có thể liên xoành xoạch thay đổi giữa 23 nhân cách, chẳng hạn như từ đứa bé 9 tuổi sang bà cô cầu toàn trong Split, thì Noomi Rapace cũng đỉnh không kém. Việc so sánh diễn xuất của họ là hoàn toàn không cần thiết, vì cả hai kì tài đều đã cống hiến, đảm nhận tốt vai diễn của mình và ghi dấu ấn trong lòng chúng ta với những cảm xúc vô cùng chân thực. Đối với Noomi Rapace, có thể nói cô đã đầu tư vào khâu phân tích nhân vật khá kĩ, và kết hợp cùng tài năng, kinh nghiệm của mình, đã tạo nên bảy cá tính khác nhau trong cùng một cơ thể một cách vô cùng tự nhiên chứ không hề gượng ép. Chỉ cần một vài động tác nhỏ, ánh mắt hay ngữ điệu, ta hoàn toàn có thể phân biệt được những cô gái vốn đã rất khác nhau về tính cách. Và dường như, mỗi cô gái đại diện cho cuộc sống của một con người trong một tuần vậy. Monday luôn nghiêm nghị, cầu toàn, khắt khe vì phải đối diện với áp lực công việc của thứ hai; Tuesday sống phóng khoáng, bất cần và nghiện hút ; Wednesday tràn đầy năng lượng và đam mê thể thao ; Thursday thì nổi loạn và luôn muốn thoát khỏi vỏ bọc Karen Settman ; Friday nhút nhát nhưng rất giỏi công nghệ ; Saturday thì yêu thích tiệc tùng của những tối thứ bảy thác loạn trong khi Sunday hiền lành, giàu lòng nhân đại diện cho ngày nghỉ bình yên. Nếu phải miêu tả diễn xuất của Noomi, có lẽ từ xuất thần là thích hợp hơn cả.
Bên cạnh Noomi Rapace thì Glenn Close – diễn viên gạo cội đảm nhận vai ác nhân Nicolette Cayman cũng đã ghi dấu ấn khá tốt trong tớ. Bà diễn rất tròn vai, hoàn toàn lột tả được sự gian xảo, thâm hiểm và kiêu ngạo của một kẻ ác, một kẻ ngạo mạn. Tuy nhiên, bà ta không phải là phản diện một chiều hay mù quáng, việc làm của bà ta tuy phi nhân đạo nhưng cần thiết cho sự sống còn của nhân loại vào thời điểm ấy. Lý tưởng và mục đích tàn nhẫn của bà ta đã mang lại cho loài người bước khởi sắc trong việc kiểm soát dân số 30 năm sau. Thế nhưng, điểm khiến tớ là băn khoăn và chưa có lời giải thích thỏa đáng về thân phận của nữ ác nhân này và về Uỷ ban mà bà sáng lập. Cayman thực sự là ai và vì sao bà ta lại có quyền lực lớn như vậy, có thể hoàn toàn thao túng cục diện và che giấu hành vi của mình trong suốt nhiều năm liền?
Về mặt hình ảnh – kĩ xảo – âm thanh, tớ cảm thấy khá ổn cho một bộ phim kinh phí thấp. Kĩ xảo của bộ phim khá tốt và chân thực so với mặt bằng chung của các bộ phim khoa học viễn tưởng, tuy chưa được đến mức xuất sắc nhưng đoàn làm phim đã khá chỉn chu, hoàn thiện khâu thực hiện. Màu của bộ phim khá tối, nhưng phù hợp với nội dung u ám của phim. Phim có nhiều phân cảnh khá kinh dị, như việc cắt ngón tay cả bảy chị em để đồng bộ vết thương, qua mắt CAB ; hay cảnh CAB dùng con mắt của Tuesday để vào nhà của các cô gái,... Điểm trừ của bộ phim có lẽ nằm ở những pha hành động quá nhanh, không mấy đặc sắc, và cái chết cũng diễn ra nhanh hơn tớ tưởng tượng. Bù lại thì phim có một vài twist hay ho và hiệu ứng âm thanh rất tốt. Tiếng súng, tiếng nổ, thậm chí cả tiếng gót giày cũng được chăm chút tỉ mỉ, tạo sự chân thực và phần âm nhạc đưa vào khiến tớ cảm giác khá rùng rợn. Nếu có cơ hội được xem ngoài rạp, có lẽ sẽ còn ám ảnh hơn nữa. Haiz, tiếc quá.
Điểm cuối cùng làm tớ băn khoăn và cảm thấy chưa thỏa đáng là một vài “hạt sạn” trong phim, điển hình như thân phận của Cayman và tổ chức của bà. Nhưng mà yên tâm, khi xem phim các cậu sẽ bị cuốn vào mạch truyện lôi cuốn và gay cấn đến nghẹt thở chứ không mấy để ý vào những vẫn đề này đâu.
Kết lại post, tớ highly recommend các cậu xem bộ phim này. Thứ nhất là vì phần kịch bản quá sáng tạo, mới mẻ và thú vị, không dựa theo bất kì một tác phẩm nào trước đó mà hoàn toàn là ý tưởng gốc. Cách xây dựng phim đan xen giữa quá khứ và thực tại cũng cho thấy sự tác động từ thuở thơ ấu lên các cô gái và đã giải thích được kha khá hành vi của họ. Bên cạnh đó, bối cảnh tương lai mà bộ phim mang đến vô cùng thực tế, hoàn toàn là chuyện có thể xảy ra, trở thành vấn nạn đối với tương lai gần của nhân loại. Thứ hai, các cậu sẽ hoàn toàn đổ gục trước diễn xuất tinh tế và tuyệt vời của Noomi Rapace trong vai cả bảy chị em. Điểm đáng khen thứ ba là kĩ xảo khá ok, thuyết phục. Cuối cùng, cũng là lời khen dành cho thông điệp mà bộ phim gửi gắm. Không chỉ đơn thuần là một phim viễn tưởng với những pha hành động như bao bộ phim khác, tác phẩm còn thành công mang đến ý nghĩa sâu sắc về tình người, tình gia đình. Bên cạnh đó, câu nói của người ông – Terry Settman: ‘Một điều xảy ra với một người, sẽ xảy đến với tất cả’ đã đặt ra một câu hỏi lớn về bản ngã. Karen Settman được tạo nên từ tính cách của cả bảy chị em: nhân ái của Sunday, tài năng vi tính của Friday,... Cô ta là một nhưng cũng là bảy người. Vậy nên nếu thiếu đi một người, cô ta sẽ ra sao? Chuyện gì sẽ xảy ra nếu như một người muốn thoát khỏi cái bóng của bảy người và lập gia đình? Khi ấy, thân phận của những người còn lại sẽ như thế nào? Hàng loạt câu hỏi chưa có lời giải đáp sẽ khiến các cậu phải vô thức suy ngẫm, càng ngẫm lại càng thấy sâu sắc. Đó mới chính là thành công lớn nhất của bộ phim khi đã để lại trong mỗi chúng ta biết bao băn khoăn về cái tôi của bản thân.
Cuối cùng, cảm ơn các cậu đã đọc hết post này. Tương tác và cho tớ biết cảm nhận của các cậu nha. Chúc các cậu một thứ hai đầu tuần – thứ hai đầu tiên sau kì nghỉ lễ vui vẻ!

The Wolf's Call (2019), hay còn gọi là Le Chant du loup, là một bộ phim hình sự và hành động của Pháp, do Antonin Baudry đạo diễn. Phim xoay quanh câu chuyện về một thuyền trưởng tàu ngầm Pháp tên là Chanteraide (do François Civil thủ vai), người có khả năng nghe thấy và phân tích âm thanh dưới nước một cách xuất sắc.
Nội dung phim bắt đầu khi một mối đe dọa hạt nhân từ một tàu ngầm Nga xuất hiện, làm tăng căng thẳng giữa các cường quốc. Chanteraide và đội ngũ của anh phải đối mặt với một tình huống khẩn cấp khi họ nhận được một tín hiệu không rõ nguồn gốc. Sự hoang mang và sự nghi ngờ bắt đầu len lỏi vào nội bộ, khi mà khả năng nghe của Chanteraide bị thử thách.
Khi tình hình trở nên căng thẳng, anh phải cân nhắc giữa sự trung thành với cấp trên và bản năng bảo vệ mạng sống của đồng đội cũng như an toàn của đất nước. Bộ phim không chỉ đơn thuần là một tác phẩm về chiến tranh mà còn khai thác sâu vào tâm lý con người và sự căng thẳng trong các tình huống khẩn cấp.
Với bối cảnh hấp dẫn và các yếu tố hành động gay cấn, The Wolf's Call đã nhận được sự đánh giá cao từ khán giả và giới phê bình, nổi bật nhờ cách xây dựng nhân vật và những tình huống kịch tính.

Là bộ phim cuối cùng trong chuỗi ba bộ phim về Trả Thù của đạo diễn Chan-wook Park bao gồm Old Boy và Sympathy for Mr.Vengeance, Lady Vengeance có một sắc thái khác, đi ra ngoài mô típ trả thù của hai bộ phim trước, không còn quá bạo lực và đẫm máu, nó mang một ý thơ đầy tinh tế của sắc môi đỏ và khuôn mặt sơn đậm của nữ nhân vật chính, mà từ đó ta thưởng thức bộ phim theo một cách kì cục là nghe nhịp điệu phim và hài lòng rằng, công lý được trả, một cách rất Chan-Wood Park.
Trong sáng và bồng bột, cô nữ sinh Lee Geum-ja (Lee Young-ae) trở thành tình nhân của thầy giáo Mr. Baek (Choi Min-sik), sau đso, cô bị buộc tội bắt cóc và giết chết một đứa trẻ 5 tuổi. Sự thật là Baek là một kẻ bệnh hoạn chuyên bắt cóc trẻ con và giết chúng. Lee Geum-Ja biết được điều đấy thì quá muộn, Baek uy hiếp con cô để bắt cô nhận tội. Từ đó, kế hoạch trả thù của cô được nhen nhóm và thực hiện từng bước từng buốc trong suốt quá trình ở tù cũng như ra tù.
Bộ phim được cắt dựng theo từng lớp cắt đan xen giữa thực tại và quá khứ. Thực tại được bắt đầu từ khi cô ra tù, tại cổng tù, một cha đạo đến đón cô, mang cho cô đĩa đậu hũ như một nghi lễ gột rửa tội lỗi và trở về với đời thường, nhưng cô đã hất tung nó xuống đất. Một hành vi ám chỉ sự thay đổi, sự quyết tâm và sẵn sàng đối diện với cuộc đời đã vốn xấu xí trong mắt cô. Chính vì nó được đan xen như vậy, khiến ta đôi khi khá mất thời gian để nắm bắt, nhưng thủ pháp đó tạo nên cho ta những ý niệm về sự biến đổi, cũng như sự đối lập về quá khứ và hiện tại trong bản chất Geum-Ja. Vốn là một người ngây thơ trong sáng, tính tình tốt bụng, thông minh, luôn yêu thương chăm sóc và giúp đỡ bạn tù, cô được ra tù sớm trước thời hạn, tạo dựng được những mối quan hệ bền chắc với những người bạn tù. Nó hoàn toàn tương phản với một Geum-Ja trang điểm đậm, khuôn mặt lạnh, cứng cỏi, quyết đoán và trưởng thành.
Những bộ phim về đề tài trả thù không hiếm, chính vì vậy, một kịch bản phim hay thì phải tìm được cách thức độc đáo trong việc trả thù, truyền tải được nỗi cay nghiệt của cuộc đời giáng xuống để ta nhận thấy việc trả thù đó là xứng đáng, là sự cứu chuộc giành cho kẻ đi trả thù, để ta theo chân họ, ủng hộ họ và nghiệm sinh chính cảm giác mà họ có. Old boy và Sympathy for Mr. Vengeance làm việc đó rất tốt, cho ta nhận thấy được nỗi đau tột cùng, lòng ham muốn trả thù tột độ. Lady Revengeance mềm mại hơn nhiều, vẫn theo chân cô để lấy lại sự công bằng vốn không bao giờ có ở đời, ta không cảm nhận được sự cay nghiệt của ân oán ở một mức độ cực độ. Chan-wook Park đã rất tiết chế tình tiết, để mọi thứ cứ đến dần dần từ từ, một dạng kể chuyện như đặt một tờ giấy thấm nước, đến khi tờ giấy ướt sũng, đó là lúc ta cảm nhận được cái ác trên khuôn mặt Baek, ta mới thấy cách trả thù của Geum-ja thật xứng đáng cho một kẻ có tội lớn như vậy.

The Old Gun (1975), hay còn gọi là Le Vieux Fusil, là một bộ phim Pháp do đạo diễn Robert Enrico thực hiện. Phim diễn ra trong bối cảnh Chiến tranh Thế giới II, xoay quanh câu chuyện bi thảm của một bác sĩ và sự mất mát đau đớn mà ông phải chịu đựng.
Nội dung chính của phim xoay quanh bác sĩ Julien Dandieu (do Philippe Noiret thủ vai), người sống yên bình cùng gia đình trong một thị trấn nhỏ. Khi Đức Quốc xã chiếm đóng, ông chứng kiến sự tàn bạo của quân đội và mất đi vợ và con gái trong một cuộc tấn công tàn ác.
Bị thúc đẩy bởi nỗi đau và sự phẫn nộ, Julien quyết định trả thù. Ông sử dụng một khẩu súng cổ mà ông đã giữ trong nhiều năm, lên kế hoạch để tiêu diệt những kẻ đã làm hại gia đình mình. Phim thể hiện rõ ràng sự xung đột giữa con người và chiến tranh, cùng với những cảm xúc mãnh liệt về tình yêu, mất mát và sự báo thù.
Phim không chỉ nổi bật với cốt truyện hấp dẫn mà còn với những hình ảnh đẹp và sâu sắc, cùng với diễn xuất xuất sắc của dàn diễn viên. Phim đã nhận được nhiều lời khen ngợi và được coi là một tác phẩm quan trọng trong điện ảnh Pháp.

Sympathy for Mr. Vengeance công chiếu vào năm 2002, là phần đầu tiên trong Bộ ba Báo Thù- The Vengeance Trilogy của đạo diễn người Nam Hàn Park Chan Wook. The Vengeance Trilogy gồm có Sympathy for Mr. Vengeance (ngắn gọn là Mr. Vengeance), Oldboy, và Sympathy for Lady Vengeance (Lady Vengeance), với nội dung cùng về sự hận thù, bạo lực và tội ác. Tuy nói là ba phần song mỗi phim hoàn toàn độc lập về cốt truyện, và cái tài của đạo diễn Park là dù khai thác về cùng một chủ đề, sự thù hận trong mỗi phim lại thể hiện theo một cách khác nhau, không phim nào lặp lại phim nào.
Trong ba phần Oldboy hay và nổi tiếng nhất. Chủ nhân giải Grand Prize Liên hoan Cannes năm 2004 được xem là niềm tự hào, một trong những kiệt tác xuất sắc nhất của nền điện ảnh Hàn Quốc. Nói ví von, Old boy giống cái cách một nhát dao sâu xoáy vào góc tối tăm, Lady Vengeance thì thiên về sự cứu rỗi, chữa lành trong tâm hồn, Mr Vengeance lại là một lát cắt nằm ngang về sự trả thù. Mr. Vengeance có lẽ chẳng thể bằng được Oldboy, nhưng so với phần cuối Lady Vengeance cá nhân tôi thấy cốt truyện Mr. Vengeance hay hơn. Nói vậy The Vengeance Trilogy phần nào cũng có giá trị riêng của nó và vô cùng đáng xem; nếu bạn muốn đổi vị với những tác phẩm tăm tối, lột tả trần trụi tính ác của con người, thì đây chính là ba gợi ý tuyệt vời dành cho bạn.
Tội ác- trả thù, mối quan hệ nhân quả này là sợi chỉ xuyên suốt liên kết toàn bộ các tình tiết. Kẻ phạm tội ác dù bất kể mục đích nào, vô tình hay cố ý, đều phải hứng chịu trở lại sự trả thù đau đớn và tàn khốc, không nương tay, khi bạo lực chính là không khí, là hơi thở của câu chuyện. Bạo lực cũng đóng vai trò hệt như vậy trong hai phần còn lại. Mỗi cuộc trả thù tức là phải tắm trong máu, trên cả thể xác lẫn trong tâm hồn. Tha thứ dường như là điều không tưởng trong thế giới ấy. Tôi từng xem Lady Vengeance, về đoạn các phụ huynh đi trả thù kẻ đã sát hại con mình, tôi nhớ một lời thoại từ một người trong nhóm phụ huynh đó, với đại ý rằng: Việc trả thù này cũng chẳng thể nào làm cho con họ sống lại. Vốn dĩ là nhóm người phải phân vân giữa việc tự tay hành quyết kẻ thủ ác, hay giao hắn cho pháp luật trừng trị (tất nhiên chỉ ngồi tù). Thường thường câu thoại như thế rơi vào các bộ phim khác tức là lúc đấy nhân vật của chúng ta dao động rồi, tiếp đến đạo diễn sẽ cho trả thù là vô nghĩa, rồi thì mủi lòng,… nói chung đại loại như thế. Nhưng trong The Vengeance Trilogy điều đó là không tưởng! Sau đó nhóm phụ huynh cầm vũ khí, từng người từng người một bước vào đâm và chém tên sát nhân kia từng nhát một, tới tận khi hắn tắt thở. Tương tự hệt vậy trong Mr Vengeance, cuối phim khi Dong Jin đẩy Ryu xuống nước, ông biết thực tình cậu là một chàng trai tốt bụng và đáng thương, Ryu đã đối xử tốt với con gái ông và cái chết chỉ là tai nạn, thế nhưng trả thù vẫn phải vẫn phải tiến hành: Dong Jin cắt gân chân của Ryu và đẩy cho cậu chết chìm dưới nước.
Mr. Vengeance khác hai phim kia ở chỗ quan hệ trả thù- tội ác chằng chịt phức tạp hơn. Không đơn thuần chỉ là tay đôi anh làm hại tôi tôi trả thù anh, Mr. Vengeance gồm nhiều các cuộc trả thù lớn nhỏ. Điều tạo sự khác biệt là đạo diễn Park Chan Wook không phán xét các cuộc trả thù đó là đáng hay vô nghĩa, những nhân vật không biểu lộ cảm xúc thỏa mãn hay hối hận. Những biểu cảm hết sức dửng dưng khi họ trả thù khiến ta rùng mình, và đau lòng hơn khi vòng tội lỗi ấy rất không đáng để xảy ra. Nguyên cớ gì đã châm ngòi cho lửa hận thù? Do Ryu bị điếc nên không thể nghe thấy tiếng kêu cứu của Yu Sun, hay bởi tình cảnh cậu quá hiểm nghèo mới đẩy cậu tới bước đường cùng phải đi bắt cóc. Hay giá như Dong Jin dành nhiều thời gian hơn cho con gái, dạy con biết bơi thì đâu đến nỗi bị chết đuối? Thế nhưng dù gì đi chăng nữa, chỉ một đốm lửa nhỏ cũng đủ để thổi bùng lên ngọn lửa. Ryu (vô tình) giết Yu Sun, Dong Jin giết Yeong Mi, Ryu giết đám buôn nội tạng vì cái chết của chị gái, Dong Jin giết Ryu, rồi rốt cuộc Dong Jin lại bị tổ chức chống chính phủ của Yeong Mi giết hại. Tội ác rồi trả thù, trả thù lại sinh tội ác, vòng luẩn quẩn ấy cuốn toàn bộ các nhân vật nhấn chìm sâu vào trong, để rồi kết cục cuối cùng tất cả không một ai còn toàn mạng.
Mr Vengeance trải tông màu xám lạnh. Phim hầu như không có nhạc nền trong các cảnh quay, nên lúc nào cũng phủ một cái bóng hết sức lạnh lẽo. Phim có nhiều cảnh ghê rợn đòi hỏi thử thách thần kinh của bạn, ví như lúc hỏa thiêu bé Yu Sun sẽ thấy mồn một cánh tay bé cầm búp bê bốc cháy thành than. Rồi còn nhiều đoạn nữa thực sự tôi không tiện mô tả, thường thì những cảnh như vậy trừ những phim kinh dị nặng đô, phần nhiều các đạo diễn thường né tránh các cảnh như thế, không quay cận hay lướt qua luôn, thế nhưng cách làm của đạo diễn Park Chan Wook là… không nương tay. Mọi yếu tố đều phải đẩy tới tận cùng tăm tối, tấn công từ mọi hướng, nhiều nhất sao cho khán giả phải chịu đựng. Các góc máy đều chuẩn mực, hầu như không có cảnh quay thừa. Một vài tình tiết còn mang tính dự báo kết cục sau này của nhân vật. Ryu không dám nhảy xuống nước vì sợ nước cao quá đầu mình (thực ra do cậu tưởng mình vẫn còn bé như hồi xưa), kết cục Ryu bị cắt gân chân, chết chìm do chân không chạm xuống được đáy. Còn Dong Jin trước từng bị cứa một nhát dao lòng bàn tay trái, để lại sẹo dài, thì cuối phim bị thêm một vết nữa bên bàn tay phải, ông bị nhóm người dùng dao đâm chết.
Các nhân vật diễn xuất ổn. Cũng khó đòi hỏi kịch tính như Choi Min Sik trong Oldboy hay Lee Young Ae trong Lady Vengeance, khi Mr Vengeance có nhiều tuyến nhân vật, mà các nhân vật phần lớn dửng dưng, không biểu đạt nhiều cảm xúc. Về diễn viên Hàn Quốc tôi chỉ xem phim điện ảnh, cũng ít nên không biết nhiều cái tên, cũng chỉ nhận ra được hai người. Một là Song Kang Ho, đây là một diễn viên gạo cội của điện ảnh Hàn, anh đóng nhiều phim có tiếng tăm, tôi từng xem có The Host với Memories of Murder. Người còn lại là Bae Doona, bởi cũng từng đóng trong The Host, và Cloud Atlas.
Phim không có một chút sáng sủa nào hết, cũng như cả The Vengeance Trilogy đều tăm tối. Nếu bạn có hỏi tôi là đúc kết được gì ý nghĩa nhân bản, nhân tính, chút tốt đẹp hy vọng gì thì nói thẳng là không. Toàn bộ phim là bạo lực, trả thù và tội ác, ở cái kết chỉ còn lại nỗi đau. Bản thân tôi, tôi thích những phim độc ác và nghiệt ngã như thế, cái này thì điện ảnh Việt Nam tìm mỏi mắt hầu như chưa có (nguyên do vì sao thì dài dòng lắm, xin miễn bàn tới), còn điện ảnh Hàn Quốc lại rất nhiều tác phẩm hay. Xin chớ lầm tưởng phim Hàn chỉ toàn tình cảm yêu đương lãng mạn- mảng truyền hình thôi, thực ra các tác phẩm làm rạng danh điện ảnh Hàn lại thường là phim chiến tranh và phim hình sự tội ác.
Những phim về cái ác mà nặng đô tất nhiên Hollywood cũng chẳng thiếu, phim Nhật thậm chí còn thẳng thắn hơn đến mức… quái gở (nói thật phim Nhật tôi xem không hợp). Phim Hàn cũng bạo liệt không kém cạnh, họ thường khai thác các chủ đề cưỡng hiếp giết người, bắt cóc, lạm dụng trẻ em, buôn bán nội tạng người, thậm chí có cả ăn thịt người và loạn luân.

Trước thềm LHP Cannes 2015, tác phẩm giành Cành Cọ Vàng năm 1989 được xác nhận là phim tạo nên cách mạng cho phim độc lập hơn hai thập niên trở lại đây.
Sex, Lies and Videotape (Tình dục, dối trá và băng video) là phim Mỹ ra mắt năm 1989. Cốt truyện kể về đôi vợ chồng đang bên bờ rạn nứt hôn nhân, bởi người vợ chưa bao giờ đạt cực khoái, còn chồng đổ lỗi vợ anh có vấn đề về chuyện chăn gối để đi ngoại tình với em vợ.
Một ngày, bạn cũ của chồng đến sống cùng nhà. Người bạn này chuyên đi phỏng vấn phụ nữ về cuộc sống tình dục, rồi ghi hình lại vào băng video để về nhà xem nhằm tháo gỡ ẩn ức quá khứ. Mối quan hệ chồng chéo giữa bốn người và một máy quay phim dần hé lộ những bí mật cuộc sống.
Phim đầu tay xuất sắc
Trước khi làm Sex, Lies and Videotape, đạo diễn Steven Soderbergh cộng tác dựng phim ở Hollywood, không có bằng đại học, thường xuyên thất nghiệp. Trở về quê nhà sống lông bông một thời gian, Soderbergh nảy ra ý tưởng gốc rồi viết 100 trang kịch bản chỉ trong 8 ngày. Bộ phim được làm trong vòng một năm, ra mắt ở liên hoan phim độc lập Sundance năm 1989 và giành giải lớn nhất – Audience Award (Giải khán giả bầu chọn). Giải thưởng hàng đầu của liên hoan phim vừa thành lập không giúp ích nhiều cho nhà làm phim trẻ.
Tháng tư cùng năm, phim được lựa chọn tranh giải chính ở LHP Cannes, rồi vượt hàng loạt tên tuổi gạo cội để giành giải Cành Cọ Vàng. Soderbergh trở thành nhà làm phim ít tuổi thứ hai giành giải này. Giới phê bình đồng thuận khẳng định: “Mặc dù tuổi đời còn trẻ (26), Steven Soderbergh đã chứng minh đẳng cấp bậc thầy cả về tay nghề điện ảnh lẫn sự chiêm nghiệm cuộc sống bằng một bộ phim già dặn về câu chuyện tình dục của con người”.
Sau khi chiếu rạp rộng rãi, bộ phim có nhan đề nổi bật trở thành hiện tượng phòng vé. Phim có ngân sách một triệu USD thu về 24 triệu USD. Chưa có phim ngân sách thấp nào thành công tới vậy. Năm 2006, Viện phim Mỹ lựa chọn lưu trữ tác phẩm vì “thiết yếu về mặt văn hóa, lịch sử và thẩm mỹ”. Nhà phê bình Roger Ebert gọi Soderbergh là “khuôn mặt đại diện của thế hệ các nhà làm phim Sundance”.
Sex, Lies and Videotape cũng là bộ phim giúp danh tiếng của liên hoan Sundance uy tín như hôm nay.
Đạo diễn đổi đời
Nhờ bệ phóng vững chắc, Steven Soderbergh trở thành đạo diễn nổi tiếng khắp Hollywood, được các hãng phim lớn như Universal hay Fox mời chào làm bom tấn. Cùng lúc, ông đều đặn sản xuất phim độc lập thu về các giải thưởng lớn.
Năm 1998, nhà làm phim làm Out of Sight thành công, với sự tham gia của George Clooney và Jennifer Lopez. Năm 2001, ông làm tác phẩm hình sự giật gân - Ocean’s Eleven, với sự tham gia của George Clooney trong vai chính, thu về hơn 500 triệu USD toàn cầu.
Cũng trong năm 2000 và 2001, ông ra mắt hai phim liên tiếp là Erin Brockovich và Traffic. Cả hai phim này giúp ông trở thành đạo diễn duy nhất nhận hai đề cử Oscar cùng năm ở hạng mục "Đạo diễn xuất sắc". Trong khi Traffic mang về cho Soderbergh “Đạo diễn xuất sắc”, Erin Brockovich mang về cho Julia Roberts giải Oscar "Nữ diễn viên chính xuất sắc".
Năm 2011, nhà làm phim vẫn là tên tuổi ăn khách khi làm Magic Mike - bộ phim về vũ công thoát y do Channing Tatum đóng vai chính. Năm 2013, ông trở lại LHP Cannes với tác phẩm gai góc về đề tài đồng tính - Behind the Candelabra: My Life with Liberace. Bộ phim này sau đó cũng trở thành hiện tượng khi được phát trên sóng truyền hình HBO.
Hai năm trước, đạo diễn mãn nguyện nói: “Tôi sẽ giã từ nghiệp làm phim. Tôi đã đạt đến mức độ, nếu làm phim tôi sẽ chỉ quay phim về chính mình. Tôi nên nhường người khác còn say mê và nhiệt huyết tiếp tục với nghề”. Hiện ông đều đặn đi dạy về điện ảnh quanh thế giới và làm cố vấn cho nhiều nhà làm phim trẻ.
Cách mạng ngành phim
Không chỉ là mô hình mẫu cho sự nghiệp rực rỡ của một đạo diễn, Sex, Lies and Videotape còn được đánh giá là câu chuyện chưa bao giờ lỗi thời về tình yêu, tình dục trong thời đại của truyền thông. Lúc ra mắt, nhan đề phim đã trở thành cảm hứng cho hàng trăm tít báo, phim truyền hình, điện ảnh, sản phẩm media.
Sex, Lies and Videotape quan trọng với lịch sử điện ảnh bởi đây là tác phẩm khiến cho dòng phim độc lập có chỗ đứng vững chắc trong tương quan với điện ảnh thương mại chính thống. Trong cuốn Down and Dirty Pictures (2004), Peter Biskind viết: “Sự thành công toàn cầu của tác phẩm ngân sách thấp này tạo ra cuộc cách mạng thúc đẩy dòng phim độc lập thế giới nảy nở vào thập niên 1990, giúp dòng phim này giờ đây có chỗ đứng không thua kém điện ảnh thương mại thống trị ngoài rạp".
Từ trường hợp thành công của Sex, Lies and Videotape, công chúng số đông biết đến thể loại phim được làm bởi những đơn vị nhỏ, không phụ thuộc vào những hãng phim khổng lồ vốn thống trị ngành công nghiệp. Các hãng phim lớn sau đó cũng mở trường quay dành riêng cho phim độc lập.
Những phim như Pulp Fiction (1994) hay Little Miss Sunshine (2006) nối gót thành công của Sex, Lies and Videotape. Hàng loạt nhà làm phim độc lập tiêu biểu như Quentin Tarantino, Kevin Smith và Woody Allen có chỗ dựa và thành danh với người hâm mộ điện ảnh sau Steven Soderbergh.
Nhà phê bình Henry Barnes khẳng định trên The Guardian hôm 17/4: "Steven Soderbergh đã định hình điện ảnh của hai thập kỷ qua".

Possession (1981) là một bộ phim kinh dị tâm lý của đạo diễn Andrzej Żuławski, nổi bật với những cảnh quay ám ảnh và nội dung phức tạp. Phim xoay quanh mối quan hệ rối ren giữa Anna (Isabelle Adjani) và chồng cô, Mark (Sam Neill), trong bối cảnh Berlin những năm 1980.
Câu chuyện bắt đầu khi Mark trở về từ một chuyến công tác và phát hiện rằng Anna đang thay đổi một cách kỳ lạ. Cô bắt đầu có những hành vi kỳ quái và dường như đang giữ bí mật gì đó. Khi Mark cố gắng tìm hiểu, anh phát hiện rằng Anna đang liên quan đến một sinh vật kỳ lạ, dẫn đến những tình huống đáng sợ và ám ảnh.
Bộ phim không chỉ đơn thuần là một tác phẩm kinh dị, mà còn khám phá các chủ đề về tình yêu, sự tan vỡ và những cuộc chiến nội tâm. Diễn xuất của Isabelle Adjani được ca ngợi, đặc biệt là trong những cảnh căng thẳng thể hiện sự khổ đau và điên rồ của nhân vật. Possession đã trở thành một tác phẩm cult classic nhờ sự độc đáo và đầy sức ảnh hưởng của nó.

Rider on the Rain (1970) là một bộ phim hình sự tâm lý của đạo diễn René Clément, với sự tham gia của Charles Bronson và Jill Ireland.
Câu chuyện xoay quanh một người phụ nữ tên là Margo (do Jill Ireland thủ vai), người sống tại miền nam nước Pháp. Một ngày nọ, cô bị tấn công bởi một kẻ lạ mặt, nhưng trong quá trình tự vệ, cô đã giết chết hắn. Để che giấu tội ác, Margo quyết định giấu xác và tự mình giải quyết mọi thứ.
Tuy nhiên, một viên cảnh sát điều tra tên là Léon (Charles Bronson) bắt đầu nghi ngờ và theo dõi cô. Margo phải đối mặt với những khó khăn và bí mật trong quá trình này, khi mà quá khứ của cô dần được phơi bày và những mối liên hệ giữa hai nhân vật trở nên phức tạp hơn.
Bộ phim không chỉ tập trung vào yếu tố hình sự mà còn khai thác tâm lý nhân vật, tình yêu và sự sinh tồn, tạo ra một bầu không khí hồi hộp và căng thẳng.